Reviews JANUAR 2019

 

 

Inglorious – Ride to Nowhere

Release: 25.01.2019

INFO-Auszug

Hailed as „the future of British rock,“ by Classic Rock magazine, Inglorious are now finally ready to unleash their third album to the rock crowds on the heels of the success gathered by “II” which went to #1 of UK Rock Charts in 2017.

“Ride To Nowhere” shows once again the band’s sheer class from a band growing in maturity, ability and craft. The band spent most of 2018 locked away recording the album which was again mixed by the legendary Kevin Shirley (Led Zeppelin, Aerosmith).

From the body blow riffs of the first single “Where are you Now,” to the beautiful melodies and bluesy overtones of “I Don’t Know You,” from the rocking assault of “Freak Show” to the acoustic ballad “Glory Days”, this is an absolute gem of an album, showing not only all the influences from iconic rock and roll shrine of rock albums from the 1970s, but also offering the band’s own sound and interpretation of Hard Rock in AD 2019.

Driving riffs and instant melodies all overlaid with the unique and powerful vocals of Nathan James. Inglorious are one of the most exciting and vital UK rock acts to emerge in years.

Late 2018 will also see Nathan James star in “Jeff Wayne’s The War Of the Worlds” as “The Voice Of Humanity” – he was personally picked by Wayne for the role. The version will run throughout the UK in November and December www.waroftheworlds.com

Inglorious are set to tour the UK with 10 shows upon release of the album with support from labelmates City of Thieves.

Fazit

Feinster HR-was anderes hätte ich auch nicht erwartet.Das „Vorgänger-Zeug“ war ja auch 1.Sahne!Klingt alles sehr Spielfreudig.Das gefällt dem geneigten Rock-Fan ;)Ich mag auch das für mein Empfinden schlicht gehaltene Cover des Albums.Muss ja nicht immer übertrieben werden mit der Farbe…Schwarz(Weiß reicht aus-wenn man sein Grafik-Handwerk versteht !

8,5 von 10 Punkte


Quiet Riot – One Night In Milan

Release: 25.01.2019

INFO-Auszug

Quiet Riot’s performance at Frontiers Rock festival 2018 marked the band’s first-ever concert in Italy and what a hell of a show it was!

With the entire club shouting and singing and calling back the band on stage at the end of the show, Quiet Riot literally took no prisoners, offering the crowd a superb selection of their greatest hits plus a very special surprise in “Thunderbird,” a song from the multi platinum album “Metal Health” that the band never performed on stage in its entire history.

The lineup featured original member Frankie Banali on drums, bassist Chuck Wright, who has been involved in the band since the recording of “Metal Health”. Alex Grossi on guitar who has been in the band for 14 years and the new singer isJames Durbin, who was on’American Idol’during the tenth season.

Quiet Riotare stronger than ever, in perfect METAL HEALTH and this unique live performance shows a band which is still at the top of their game!

Tracklisting:

1.Run For Cover

2.Slick Black Cadillac

3.Mama Weere All Crazee Now

4.Whatever It Takes

5.Terrified

6.Love’s A Bitch

7.Condition Critical

8.Thunderbird

9.Party All Night

10.Freak Flag

11.I Can’t Get Enough

12.Wild & The Young

13.Let’s Get Crazy

14.Cum On Feel The Noize

15.Bang Your Head

Fazit

Wie denn LIVE-Alben so meißtens sind: Soundqualität nicht sooo dolle!ABER…dafür auf die Augen!Naja-was anderes können die Herren auch nicht.Und das ist auch gut so.

7 von 10 Punkte


LUGNET – „Nightwalker

Release: 25.01.2019

INFO-Auszug

LUGNET, eine der feinsten schwedischen 70er Jahre-Hard-Rock-Bands, melden sich mit ihrem zweiten Album zurück! Ihr im Jahr 2016 erschienenes Debut konnte mit tollen Reviews bereits einen bleibenden Eindruck in der Szene hinterlassen. Mit der enormen Kraft und Bandbreite der Stimme des neuen Sängers Johan Fahlberg (Jaded Heart) beschreitet die Gruppe nun den nächsten Schritt vorwärts. Die außergewöhnliche Rhythmusarbeit kommt von Lennart „Z“ Zethzon (Badge) und Schlagzeuger Fredrik Jansson (Angel Witch, ex Witchcraft). Der neue Gitarrist Matto Norlin (Badge) bringt sein großartiges Bluesspiel gemeinsam mit Marcus „Mackan“ Holtens Gitarrenriffs ein. Das neue Album trägt den Namen „Nightwalker“ und bietet dem Hörer ein vielfältiges Spektrum von Arrangements und Sounds im Rahmen von Songs, welche alle eine eigene Story erzählen. Das Artwork stammt von dem schwedischen Designer Robin Gnista. „Nightwalker“ erscheint am 25.01.2019 bei Pride & Joy Music als CD, LP und digital.

Recorded at Studio Heavy Electric Sound by Kent Sjöberg Mixed by Matti Norlin Mastered by Mike Lind Produced by Lugnet

Add-ons, Mellotron, Ac guitar etc. Matti Norlin Executive producer Lennart Zethzon Cover art and layout by Robin Gnista Group photo by Soile Siirtola

www.lugnetrock.com

www.facebook.com/lugnetrock

www.instagram.com/lugnetrock

www.twitter.com/lugnetrock

Fazit

In der Tat…das hat was!Der Sound gefällt mir.Ich finde,dass das meine Ohren schon lange nicht mehr gehört haben.Was?Das klingt echt nach 70er Jahre Sound.Und es tut verdammt gut,DAS zu hören.

7,5 von 10 Punkte


Bloody Times – On A Mission 

Release: 11.01.2019

INFO-Auszug

Im Jahre 2014 wurde der Name “Bloody Times” erstmals bewusst für eine Ansammlung von aufgenommenen Riffs und Demos von Bassist Simon Pfundstein benutzt, der damit als Gründer von Bloody Times gilt. Anders als eine klassische Bandgründung hat sich Bloody Times langsam aus einem Solo-Projekt heraus entwickelt. Was als Hobby geschaffen wurde mündete zwei Jahre später in der Produktion des ersten Albums. So wurde THE FIRE OF IMMORTALITY als Debüt-Album im November 2016 veröffentlicht. Unterstützt wurde Simon durch das ehemalige ICED EARTH Mitglied Raphael Saini am Schlagzeug. Alle weiteren Instrumente wurden von Simon eingespielt.

Im darauffolgenden Jahr wurden zwei der Songs durch John Greely neu eingesungen und veröffentlicht. Seit diesem Zeitpunkt ist John – ebenfalls ein ehemaliges Mitglied der Band ICED EARTH – als Hauptsänger von Bloody Times bekannt. Die Arbeiten an einem zweiten Album begannen im Spätjahr 2017 mit John am Gesang und Simon am Bass. Während sich am Schlagzeug auch bei dieser Produktion Raphael wiederfindet wurde an der Gitarre auf unterschiedliche Gäste zurückgegriffen. Gleich fünf unterschiedliche Gitarristen steuerten ihr Können bei und waren auch teilweise am Songwriting beteiligt, welches sonst hauptsächlich vom Bassisten Simon durchgeführt wurde. Alle Mitstreiter des Projekts vereint die Leidenschaft für Musik und den Metal. Als besonderer Gast und Unterstützer des daraus resultierenden Albums ON A MISSION kann Ross Friedman (Ross the Boss) genannt werden, der zusammen mit Joey DeMaio im Jahre 1980 die Heavy Metal Band MANOWAR ins Leben gerufen hat. Seit seinem Rücktritt bei MANOWAR arbeitet Ross an seinen eigenen Alben und Projekten, doch seine Fans verehren ihn vor allem für sein Mitwirken an den “unsterblichen” Alben von Battle Hymns bis Kings of Metal. Inspiriert durch die benannten Metal-Größen und weitere Heavy Metal Classics ist ein Album entstanden, welches stark an “Old School Metal” erinnert und Lust auf weitere starke Songs macht, die es in Zukunft von Bloody Times sicherlich geben wird…

www.facebook.com/bloodytimesmetal
www.bloodytimes.net

7,5 von 10 Punkte


NAILED TO OBSCURITY – Black Frost

Release: 11.01.2019

INFO-Auszug

Esens, Germany. Nestled at whatever-end of Lower Saxony, where the East Frisian Islands form a barrier against the wailing North Sea, the town of 7,000 has slept the years away. Most people haven’t heard of Esens, once home to Baroque composer Philipp Heinrich Erlebach. But if they have, they’ve often confused it with Essen, Germany’s ninth largest city. Well, that’s about to change. Not the confusing part, but the fact that rising death metal stars NAILED TO OBSCURITY are about to put Esens on the proverbial map with new album, »Black Frost«, their first for Nuclear Blast Records.

Formed in 2005 by teenagers Jan-Ole Lamberti (guitars) and Volker Dieken (guitars), NAILED TO OBSCURITY went through the usual ups and downs as a band. The Germans took their name from a song off HATE ETERNAL’s debut album, »Conquering The Throne«, but that’s another story for another time. Mere months after forming, NAILED TO OBSCURITY issued their first demo, »Our Darkness«. Certainly, line-up shifts were part of the progression as a band, but Lamberti and Dieken -the band’s primary songwriters -pushed on, with Jann Hillrichs (drums) and Carsten Schorn (bass) forming the rhythmic foundation.While most bands live and die on the possibility of signing a label deal, NAILED TO OBSCURITY persevered, releasing their debut album, »Abyss«, independently in 2007. By the time, the group ushered in »Opaque« in 2013 and »King Delusion« in 2017 -both for German independent Apostasy Records -they were a different band entirely. BURIAL VAULT vocalist Raimund Ennenga had replaced Alexander Dirks in 2012, and the rest, at least for the present, is history.
Today, NAILED TO OBSCURITY remain Lamberti and Dieken’s labor of love, but the duo are far from authoritarian in the way they write music. In fact, while the two axe-slingers comprise the creative core, NAILED TO OBSCURITY complete songs as a band. They flesh out ideas,structures, and arrangements together, jamming in front of one another instead of the computer or bedroom wall. This is something that persists to this very day. Even as recording technology advances at a frantic pace and members of NAILED TO OBSCURITY are spread out over Germany, they still shack up on weekends in the rehearsal room in Esens to write together. That’s how new album, »Black Frost«, was born.
„Normally, it’s me and the other guitar player Volker [Dieken] writing the main structures,“ says Jan-Ole Lamberti. „We write the riffs and collect the main ideas for the songs. [For »Black Frost«], we started one year ago. We wrote together on the weekends. We don’t live too close to one another now, so that’s how we had to write. We started that in September or October and then in January we sat with the rest of the band to arrange and elaborate the actual songs. From March on, we rehearsed from Friday evenings to Sunday evenings. Over that time period, the album was written. Volker and I would obviously record ideas on our own, but to arrange the songs we did it with the rest of the band in the rehearsal room. Like we always do. That’s a process that’s worked really well for us.“

Songs like ‚Tears Of The Eyeless,‘ ‚The Aberrant Host,‘ ‚Road To Perdition,‘ and the magnificent title track were part of NAILED TO OBSCURITY’s weekend forays into the depths of melodic death metal (and beyond). The frantic pace at which »Black Frost« was written, however, didn’t impact the quality of songcraft. Whereas »King Delusion« focused on the pairing of savagery and melody, »Black Frost« changes up the formula. Call it maturity or desire to present ideas differently, NAILED TO OBSCURITY’s new songs churn, swirl, and coalesce around and into Ennenga’s engaging if cloudy psychosocial lyrics. They have presence. They’re empowered by Lamberti and Dieken’s soaring lead-riffs, melancholic dissonance, and careful introspection, but come to life after Hillrichs, Schorn, and Ennenga – whose growl is a must-hear – come into play. Clearly, »Black Frost« is something special.

„In the beginning, we had the problem [writing »Black Frost«],“ Lamberti says. „We were trying to do the same thing as the last record, »King Delusion«. What I mean by that is »King Delusion« was the first record where we were completely satisfied with everything. We realized that wouldn’t really work out for us. If anything, the follow-up would be a copy and definitely not better than »King Delusion«. We skipped all that and started from scratch. That’s when the actual songwriting began. Our main goal was to do something different from that point on. I think »Black Frost« sounds like NAILED TO OBSCURITY – there are a lot of similarities – but it’s different. Instead of having classical lead guitar, which we had on the last two albums, we’ve diminished that in favor of more ambient sounds created on the guitar.“
Lyrically, »Black Frost« continues Ennenga’s fascination with struggle, strife, and self-control. The album title was plucked from a concept inspired by seafaring terminology. While at sea, ships may become over-burdened by black frost, a phenomenon where fog or rain freezes to the moorings or masts causing ships to become unbalanced. Unbalanced ships capsize easily. Ennenga took this concept to heart, applying it to humans, who struggle to control fear, anger,or rage. The idea is a cautionary tale to all of us to not let the black frost over-burden our minds.

„It’s not a closed concept album,“ says Ennenga. „There are different topics that I sing about. In general, I try to find interesting metaphors of my own conflicts, inner conflicts or inner struggles. That’s what I did on »Opaque« and »King Delusion«. It’s the same thing on »Black Frost«, but it’s a different picture. The metaphors are different. It’s hard for me to talk about the lyrics because they’re abstract. Let’s put it this way: we all go through different episodes in life. The stuff that happened to me between »King Delusion« and »Black Frost« had a huge impact. I think »Black Frost« sums it up. It’s about burdens on our souls and minds. It deals with what happens when you have to struggle with that or have to deal with that. There are songs about fear. Like, when you’re alone in a room, but you don’t feel you’re alone. There’s no one around you, but there’s a presence there. »Black Frost« is about the struggling mind, I guess. But I do like to leave the lyrics open to interpretation.“

For »Black Frost«, NAILED TO OBSCURITY spent one week in pre-production – fleshing out songs, etc. – at V. Santura’s Woodshed Studio in Landshut, Germany over the summer. The Germans returned to V. Santura for three weeks to write the remainder and to record the album. They spent 8-hour days putting songs like ‚Feardom,‘ ‚Cipher,‘ and ‚Resonance‘ – the final song to take shape for »Black Frost« – to digital „tape.“ V. Santura engineered, produced, mixed, and mastered »Black Frost«, hefty responsibilities entrusted by NAILED TO OBSCURITY upon the budding German producer and studio owner.
„When we went to the studio on »King Delusion« it was the first time where it all felt right,“ Lamberti says. „We not only had an engineer in V. Santura, but we also had a producer. He understood us. And we understood him. Like, he’s very honest about things. If he doesn’t like it or feels it sounds not quite right, he tells us. That’s what we like. Conversely, when V. Santura likes a song of ours, it can only mean the song is quite good. I would say we read each other well. We’re also fans of the bands V. Santura is in and the bands he’s producing. He’s a great person. He’s a great engineer. And he’s really the perfect producer for us. We had no choice but to go back to V. Santura and Woodshed Studio.“

Just as NAILED TO OBSCURITY returned to V. Santura to oversee the production, so too did the Germans re-hire Argentinean surrealist Santiago Caruso (STARGAZER, OCTOBER FALLS) to paint the cover art for »Black Frost«. While Caruso isn’t into metal of any type, he understands the Germans‘ music and the darkness they’re presenting. He’s into the dark stuff. In fact, the member of the Beinart Surreal Art Collective has posited his own darkness across his own work – check out the ‚El Jardin De Las Tumbas‘ painting – something that NAILED TO OBSCURITY recognize.

„We sent him the lyrics and the album title,“ says Ennenga. „He asked for a little more freedom. He didn’t want to send sketches. On »King Delusion«, he sent sketches before we approved the final version. For »Black Frost«, he started and sent us the various states. Right away, it was phenomenal. The cover fit the lyrics perfectly. He’s the perfect fit for NAILED TO OBSCURITY.“
Where NAILED TO OBSCURITY take »Black Frost« from here is on tour. As much as the Germans enjoy the creative process and working in the studio, they are, in the end, a live band. A really good live band. They have the track record – where they were either direct support for ARCH ENEMY, PARADISE LOST, and AT THE GATES or main support for DARK TRANQUILLITY – to show for it. Additionally, NAILED TO OBSCURITY have also performed in front of thousands at festivals like Wacken Open Air, Party.San Metal Open Air, and Bloodstock Open Air. So, watch out for NAILED TO OBSCURITY! They’ll be in everywhere in 2019 in support of »Black Frost«.

Fazit

Schönes atmosphärisches Melodic DM-Album!Das ganze erinnert mich an TIAMAT.Ist aber bestimmt kein „Abklatsch“!Klasse umgestzt!

9 von 10 Punkte


The NEAL MORSE Band – The Great Adventure

Release: 25.01.2019

INFO-Auszug

Der Nachfolger von THE SIMILITUDE OF A DREAM (das von Kritikern als “Meisterwerk” bezeichnet wurde) ist das neunte Studioalbum mit Morse, Portnoy und George – und das dritte mit dem aktuellen Line-Up. Gemeinsam haben Morse und Portnoy vier Bands gegründet; die langlebigste mit dem größten musikalischen Output ist THE NEAL MORSE BAND.

“Let the great adventure now begin…” – Lass das große Abenteuer beginnen: Die Schlusszeile von THE SIMILITUDE OF A DREAM hat sich als erstaunlich prophetisch bewiesen. Das neue Album ist in der Tat ein perfektes Begleitwerk zu dem in TSOAD in Auszügen nacherzählten litererarischen Klassikers The Pilgrim’s Progress  von John Bunyan. Es hat alles, was Fans von einem Album von THE NEAL MORSE BAND erwarten dürfen – und mehr: Rock, Metal, Elemente aus Klassik und Jazz, einige Killermelodien, und das alles makellos umgesetzt von einigen der größten Rockmusikern dieses Planeten.

Neal Morse dazu: “Diese Band hört nicht auf, mich zu verblüffen. Ich muss gestehen, dass es etwas beängstigend war, nach einem so speziellen Album wie THE SIMILITUDE OF A DREAM, das auch live so großartig angekommen ist, einen Nachfolger anzugehen. Aber ich glaube, dass THE GREAT ADVENTURE eine ungeheure Wirkung haben wird. Dieses neue Doppelalbum hat alle meine Erwartungen erfüllt. Ich habe es gestern Abend durchgehört, und am Ende standen mir die Tränen in den Augen.”

Mike Portnoy kann dem nur zustimmen: “Was kann nach einem epischen Konzept-Doppelalbum noch kommen??? Na klar, ein weiteres episches Konzept-Doppelalbum! Hahaha. Ich wusste immer, dass es schwer oder sogar unmöglich werden würde, THE SIMILITUDE OF A DREAM zu toppen, weil ich dieses Album so sehr schätze. Aber jetzt …. es haut mich wirklich um, was wir hier erreicht haben. Wir haben einen ultimativen Gefährten für TSOAD geschaffen.”

“Es gibt Dinge, mit denen man sich nicht anlegen sollte,” fährt Randy George fort. “Mit THE SIMILITUDE OF A DREAM haben wir uns etwas ganz Besonderes erschlossen. Ich war sicher, dass der Nachfolger völlig anders werden würde, aber man muss seinem Herzen folgen – und der Musik. THE GREAT ADVENTURE ist für mich ein kleines Wunder. Es ähnelt SIMILITUDE im Hinblick auf Konzept und Form, aber es ist stärker und tiefer in seinem Klang! Es ist ein kraftvolles Werk, und ich freue mich darauf, es live zu spielen!”

 Wie es der Albumtitel andeutet, war auch der kreative Prozess ein großes Abenteuer. Anders als andere Alben von Morse, die häufig innerhalb von Wochen geschrieben und arrangiert wurden, haben die Weltklasse-Musiker diesmal fast ein Jahr damit verbracht, das Album zu vollenden, und haben dabei eine große Fülle von hochwertigem Material geschaffen. Dabei wurden radikale Entscheidungen getroffen: Einige bereits vollendete Songs und Charaktere mussten gehen, neue Verbindungen und Ideen wurden komponiert und eingebaut – und das alles kurz vor Toresschluss im Aufnahmestudio. “Es war eine Menge Arbeit und Überarbeitung”, berichtet Morse. “Aber einige der erfolgreichsten und weitreichendsten Alben, mit denen ich zu tun hatte, sind so entstanden, ich denke da an SOLA SCRIPTURA und SNOW von Spock’s Beard.”

Eine entscheidende Frage, die im Studio beantwortet werden musste: Wie aus all den Ideen ein zusammenhängendes Ganzes ensteht. Was dieses “Abenteuer” schließlich für Morse erschloss, war die Erkenntnis, dass THE GREAT ADVENTURE eine neue Sprache und Perspektive brauchte: Es ist diesmal die des Sohns, der vom Pilger zurückgelassen wurde – eine jüngere, zornigere Stimme als bei THE SIMILITUDE OF A DREAM.

THE NEAL MORSE BAND wird THE GREAT ADVENTURE seinen Fans weltweit live nahebringen. Die Tour beginnt am 3. Februar 2019 Nashville. Informationen und VIP Tickets gibt es über www.radiantrecords.com.

Fazit

Produktionstechnisch hab ich schon lange nicht mehr ein so ausgereiftes Album gehört!Bestechend ist die musikalische Abwechslung dieses Albums.Klingt schön nach Rockoper!Hier passt einfach alles.Für mich ein weiteres „MEISTERWERK“ der Neal Morse Band!Hier kommt beim hören keine Langeweile auf-im Gegenteil.Ich mag Alben,bei denen man auch beim zehnten Mal hören wieder was Geiles raushört!

10 von 10 Punkte


Burning Witches – Burning Alive

Release: 18.01.2019

INFO-Auszug

BURNING WITCHES sind momentan der mit Abstand heißeste Export aus der Alpenrepublik, nachdem die Schweizer Newcomerinnen mit ihrem selbstbetitelten Debüt mächtig eingeschlagen haben, das von V.O. Pulver (PANZER, DESTRUCTION, PRO-PAIN) und Schmier von DESTRUCTION produziert und im Pulver‘s Little Creek Studio in der Schweiz aufgenommen wurde.

Das Album schlug hohe Wellen und die Schweizerinnen spielten sich längst nicht nur in den Fokus des traditionellen Heavy Metal-Publikums, sondern zogen auch die Aufmerksamkeit vom Szene-Schwergewicht Nuclear Blast Records auf sich, die die Band kurzerhand unter Vertrag nahmen.

Fazit

WOW…sag ich da „nur“!Das macht SPASS und KNALLT so Richtig.Zuerst dachte ich:“Ohhh bitte nicht schon sowas BATTLE BEAST-lastiges als ich Damen auf dem Cover sah!“Aber ich hab mich da gern geirrt.Denn das klingt keinesawegs nach BATTLE BEAST-das klingt nach den BURNING WITCHES.

…und ENDLICH mal ne´ Sängerin,die nicht einfach so rumquietscht und rumschreit!

Die Produktion-JAAA den Sound mag ich genauso,wie die durch die Bank fabelhaft arrangierten Songs!

8 von 10 Punkte


COMMONWEALTH – Everyone Around Me

Release: 18.01.2019

INFO-Auszug

Commonwealth(N): (engl. Für Gemeinwohl) eine Organisation, politisch oder sozial, gegründet für das Allgemeinwohl. Auch wenn die Politik bei dieser kalifornischen Alternative-Rockband eher weniger im Vordergrund steht, dann doch sehr das Gemeinwohl. Während sie ihren Sound selbst als „ehrliche Musik für die erschöpfte Seele“ beschreiben, verwenden COMMONWEALTH einen subtilen, ätherischen und von Post-Rock durchtränkten alternativen Stil mit melancholischen, teils ausgefallenen Texten und bewegenden Worten als ein Mittel der reinen Katharsis. Sie sind zugleich kraftvoll genug, um eingängig zu sein und trotzdem so düster und ernüchternd, um direkt zur Seele der Zuhörer zu sprechen; COMMONWEALTH sind eine einzigartige Band, die sich auf reiner Leidenschaft begründet und hauptsächlich Fans des atmosphärischen Post-Hardcore, Pop-Punk und Alternative Rock anspricht, gepaart mit einer sich stetig entwickelnden und allumfassenden Dynamik.

 

COMMONWEALTH wurden 2016 gegründet und trotzten allen Umständen, um quer durch das Land reisen zu können und zusammen Musik zu machen. Obwohl die Band noch jung ist und sehr wenig greifbare Arbeit unter ihrem Namen vereint, legten sie einfach los, sammelten Erfahrung und legten den Grundstein für ihre Leidenschaft, die es ihnen -zum ersten Mal Ende 2016- ermöglichte neben SET SIGHTS und MODERN COLOR zu spielen.  Dies führte auch zur Entstehung ihrer, von Kritikern stark gelobten, Single „Father(s)“. Ein erschütternder und sehr persönlicher Track, in dem angespannte Familiensituationen und Verlust thematisiert werden und der COMMONWEALTH’s Aufstieg in die oberste Liga des Ambient und Emotional Alternative Rock sicherstellte. Deutlich wird dies mit der Veröffentlichung von „Vinyl“ Ende 2017 und einem Platz in der handverlesenen Spotifyplaylist von Dreambound und The New Fury. Seitdem herrscht bei COMMONWEALTH allerdings Stille, während sie sich für ihren Nächsten großen Zug vorbereiten, nämlich einen Vertrag bei SharpTone  und die Veröffentlichung ihres bevorstehenden Debütalbums, das sowohl „Father(s)“, als auch „Vinyl“ und viele andere enorm bewegende und  hinreißende Tracks umfasst, die alle Elemente von Post-Rock bis hin zu Post-Hardcore vereint. Beruhigende und tiefgründige Musik, die tatsächlich zum Allgemeinwohl beiträgt.

Fazit

Netter Alternative-Rock,der mich allerdings bei längerem hören irgendwann etwas genervt hat.Aber generell ist das Material schon gut gemacht.Denn die Mehrheit der Songs ist total Radiotauglich-das muss ich denn dann doch mal zugeben.

In der Gesamtpunktzahl gibt´s aber Abzüge,weil ich das Cover einfach nicht mag!

Sicherlich werde ich das Scheibchen auch mal wieder hören und den ein oder anderen Song auch innerhalb einer der Sendungen spielen.

6,5 von 10 Punkte


MAGNUM – LIVE At The Symphony Hall

Release: 18.01.2019

INFO-Auszug

Jeder Musikliebhaber weiß, dass Abschlusskonzerte einer langen Tournee immer ganz besondere Ereignisse sind. Das Publikum hat bereits in den Wochen zuvor überall nachlesen können, wie sehr die Band bei den bisherigen Konzerten Abend für Abend gefeiert wurde, und freut sich nun umso mehr, seine Helden mit eigenen Augen sehen zu können. Die Band befindet sich durch die zahlreichen Konzerte in exzellenter Verfassung, ist perfekt eingespielt und möchte bei der letzten Show natürlich noch einmal alles Vorherige toppen. Ein solches Tourfinale fand am 19. April 2018 in der Birminghamer ´Symphony Hall` statt. Die britische Rockgruppe Magnum beendete dort ihre 42 Konzerte umfassende Road To Eternity-Tour und lieferte auf höchstem Niveau ab. Der Abend wurde für die Nachwelt auf 2-Digi-CD, auf 3-LP-Gatefold-Vinyl und als digitaler Download festgehalten und erscheint am 18. Januar 2019 über Steamhammer/SPV.

„Ein wirklich magischer Abend“, bestätigt Gitarrist Tony Clarkin, „zumal die Show für uns eine Art Heimspiel war, denn wir alle stammen aus der Gegend zwischen Birmingham und Wolverhampton, haben in den zurückliegenden 20 Jahren aber nur einmal in Birmingham gespielt. Insofern war dies in gleich mehrfacher Hinsicht ein ganz besonderer Moment für Magnum.“ Der Situation entsprechend spielten sich die Bandmitglieder Tony Clarkin, Sänger Bob Catley, Bassist Al Barrow und ihre beiden Neuzugänge, Keyboarder Rick Benton und Schlagzeuger Lee Morris souverän durch eine gelungene Mischung aus Klassikern und neueren Songs, mit der die Band ihre lange Tradition stimmungsvoller Rocknummern weiterhin erfolgreich fortsetzt. Vom Publikum laut bejubelt steigerten sich Magnum in einen wahren Spielrausch, stimmten Hits wie ‚How Far Jerusalem‘, ‚Vigilante‘, ‚Don`t Wake The Lion (Too Old To Die Young)‘ oder ‚The Spirit‘ an und bewiesen nachdrücklich, dass auch die neueren Songs vom 2018er Studioalbum Lost On The Road To Eternity, namentlich ‚Peaches And Cream‘, ‚Show Me Your Hands‘, ‚Lost On The Road To Eternity‘ und ‚Without Love‘ absolute Live-Granaten mit Hymnenqualität sind. „Zwischen Studio und Bühne gibt es bekanntlich einen gravierenden Unterschied“, erklärt Clarkin. „Im Studio hat man als Band zahlreiche Versuche, um einen Song perfekt klingen zu lassen. Auf der Bühne dagegen bekommt man nur einen einzigen Versuch. Allerdings: Wenn der glückt, erhält die Studioversion eine gehörige Portion zusätzliches Adrenalin und Spielfreude und wird dadurch noch lebendiger, mitreißender, einzigartiger.“ Von dieser Spielfreude und der flammenden Interaktion zwischen Musikern und dem Birminghamer Publikum wurde auch Stargast Tobias Sammet (Avantasia, Edguy) mitgerissen, der bei ‚Lost On The Road To Eternity‘ auf die Bühne kam und – wie schon bei der Studioaufnahme des Tracks – Sänger Bob Catley tatkräftig unterstützte. Übrigens, kurz zwischendurch erwähnt: Als Vorbote dieses packenden Live-Albums wird ‚Lost On The Road To Eternity‘ bereits am 2. November 2018 als digitale Single veröffentlicht. „Birmingham war eine dieser Nächte, in denen alles stimmte“, blickt Clarkin auf die Show im April 2018 zurück. „Der Sound auf der Bühne war phänomenal, und man konnte anhand der Reaktionen des Publikum spüren, dass es auch im Saal sagenhaft geklungen hat. Wenn dieser Funke zwischen Band und ihren Fans überspringt, kann etwas ganz Besonderes, etwas Magisches entstehen. Genau dies war in Birmingham der Fall.“ Bleibt abschließend also nur die Frage, was Live At The Symphony Hall von den bisherigen Magnum-Livescheiben unterscheidet. „Bob und ich machen diese Band ja schon ein paar Tage länger, haben aber nie die Begeisterung für Magnum verloren“, erklärt Clarkin. „Wir wollen immer dazulernen und sind offen für Ratschläge und Tipps. Dementsprechend wurden die älteren Songs immer wieder aktualisiert, wir spielen sie mal etwas schneller, mal etwas langsamer, ändern hier ein Solo oder dort eine kleine Melodie. So haben wir nicht nur das Interesse des Publikums, sondern auch unseren eigenen Spaß an diesen Nummern aufrechterhalten.“ Treffender könnte man die Magie auf Live At The Symphony Hall kaum beschreiben.

Fazit

Bob Catley-was für eine Stimme!Ich mag einfach seine Art zu singen.Hinzukommt diese Farbe,die er in der Stimme hat!Für mich ist und bleibt er einer DER Rockstimmen,die man sich NIE „satthören“ kann!

MAGNUM-das weiß ich was ich bekomme:QUALITÄT!!!Mehr muss man da garnicht sagen!

10 von 10 Punkte


EVERGREY – The Atlantic

Release: 25.01.2019

INFO-Auszug

In einer Musikszene, die seit Jahren zunehmend trivialer und konturloser zu werden droht, sind Evergrey der (überaus anspruchsvolle) Silberstreif am Horizont. Bereits seit 1993 steht die schwedische Gruppe um Frontmann/Songschreiber Tom S. Englund für technisch und kompositorisch tadelloses Niveau, verbunden mit Texten und Botschaften, die über reine Rock´n`Roll-Prosa weit hinausgehen. Mit ihrem neuesten Album The Atlantic manifestieren die fünf Bandmitglieder Englund, Henrik Danhage (Gitarre), Johan Niemann (Bass), Jonas Ekdahl (Schlagzeug) und Rikard Zander (Keyboards) ihre großartige Reputation als eine der außergewöhnlichsten und innovativsten Progressive Metal-Formation dieser Welt und präsentieren gleichzeitig den dritten Teil der 2014 mit Hymns For The Broken begonnenen Trilogie über das Abenteuer Leben. „Wie schon auf Hymns For The Broken und dem 2016er Nachfolger The Storm Within geht es um Ereignisse und Erfahrungen, die wir in unserem Leben machen durften“, erläutert Englund. „Es geht um Beziehungen, um Schönheit und Dunkelheit, um Glück und Trauer, um Liebe, Hass, Verzweiflung, Freude und alles, was damit verbunden ist. Das Leben ist wie eine Reise über den Ozean, auf dem Weg zu fernen Ufern.“ Was könnte da besser passen als die neue Scheibe The Atlantic zu nennen!?
Entsprechend dem programmatischen Albumtitel und seinem aussagekräftigen Cover-Artwork (entworfen vom griechischen Künstler Giannis Nakos, bekannt unter anderem durch seine Arbeiten für Oceans Of Slumber oder Hades Rising) nehmen Evergrey ihre Fans mit auf eine stürmische Fahrt durch die raue (Prog Metal-) See. Das Album startet mit ‚A Silent Arc‘, eine der wohl heftigsten und härtesten Nummern, die Evergrey jemals aufgenommen haben. „Ich liebe diesen Song“, sagt Englund, „auf eine gewisse Evergrey-Weise ist er richtiggehend brutal, mit einem Gesang, den man in dieser Form vielleicht von Behemoth, nicht aber von mir erwarten würde. So dunkel und derbe haben wir wohl noch nie zuvor geklungen.“ Gleichzeitig bündelt sich in ‚A Silent Arc‘ der gesamte musikalische und textliche Inhalt des neuen Albums. Wäre es da nicht der nächstliegende Gedanke, diesen Song – übrigens zugleich die erste Single – auch in einem stimmungsvollen Videoclip zu präsentieren? „Eben gerade nicht“, sagt Englund, „dieses Stück soll in jedem Zuhörer eigene Bilder hervorrufen. Wir möchten die Fans nicht vorab mit unseren Vorstellungen beeinflussen, sondern jedem seinen eigenen inneren Film gönnen.“
Videos dagegen wird es zum atmosphärisch heftigen ‚Weightless‘ und zum hymnischen ‚All I Have‘ geben, beides abwechslungsreiche Glanzpunkte eines durch und durch fesselnden Albums, das von Jacob Hansen glänzend gemischt und gemastert wurde. „Wir haben auch diesmal wieder all unsere Kraft in die Waagschale gelegt, um das bestmögliche Ergebnis zu bekommen“, freut sich Englund, der gemeinsam mit Schlagzeuger Jonas Ekdahl The Atlantic produziert hat, über den druckvollen Sound. Die zehn Songs der Scheibe zeichnen sich durch enorme Wucht, aber auch Tiefgang und spannende Detailarbeit aus. Der Track ‚Departure’ beispielsweise bettet seinen Gesang überwiegend in Bass, Schlagzeug, Klavier und Akustikgitarre ein. „So etwas hat es bei Evergrey in dieser Form noch nie gegeben“, erklärt Englund mit Stolz und fügt hinzu: „Diese Nummer klingt wie eine Expedition, anstatt wie ein typischer Dreieinhalbminuten-Hit arrangiert zu sein.“
Eine Umschreibung, die für The Atlantic generell zutrifft. Englund: „Vermutlich ist dies die bis dato komplexeste und progressivste Scheibe unserer Karriere und umfasst sämtliche Elemente, die unsere Fans lieben.“ Ganz klar: Musikalisches Fastfood klingt anders, bei Evergrey gibt es exquisite Vollwertkost.

7 von 10 Punkte


Flotsam And Jetsam – The End Of Chaos

Release: 18.01.2019

INFO-Auszug

“Hell no!”, Flotsam And Jetsam’s master behind the microphone Eric “A.K.” Knutson exclaimed when asked if this was the band’s final swing of the axe! The End Of Chaos certainly could be construed that way title-wise. But what do you do when you unleash arguably the finest hour in your 30-plus year career (2016’s genius Flotsam And Jetsam)? You head back to the dark n’ dusty garage to keep that momentum going. Let’s get one thing straight. Flotsam And Jetsam are a true anomaly in the annals of heavy metal history. The most under-rated entity in heavy metal history. Period. True fighters, the Phoenix-based five-piece led by originals A.K. and guitarist Michael Gilbert (along with longtime bassist Michael Spencer, guitarist Steve Conley and drummer Ken Mary) have been doing battle in the trenches since the early ‘80s. And although people point to their first album (1986’s Doomsday For The Deceiver ) as a game-changer, the band didn’t need the first (andonly)6KratinginKerrang!’s historytogainaccolades.Therewasmuchmoretocome,ahelluvalotmore.Andwithout the ghost of Jason Newsted hovering – he jumped onto the Metallica freight-train just after the debut was released Flotsam And Jetsam were off and running.
But sadly their melodic thrash brilliance was overshadowed by many. And that’s where the injustice lies. The brilliant follow-up No Place For Disgrace (1988) is still a mainstay in the live setting, whereas When The Storm Comes Down (1990) andCuatro(1992)sawthebandonaroll.Butlabelfumbling andaseriouschangeinthemusiclandscapeledtotheirmetal hearts getting bruised and battered from all angles of the aorta. Record sales were stale, tours were thin, meanwhile quality-wise, they were heads and tails above most metal bands in the community. And it remains a travesty that future albums like the deeply emotional Drift (1995), the drug-frenzied High (1997) and truly under-rated My God (2001) to this day get overlooked. Their diehard fanbase were still screaming Flotz ’Til Death, but the band’s stock hadn’t increased in value, despite being led by one of the most gifted singers in the history of rock music.
“A.K.’svocalsarewhatmakesourbandandwhoweare,”MichaelGilberthitsthenailonthemetalhead.“He’sveryunique, there is nobody else like him. He’s a fantastic singer. But the dude gets better and better.”
So, no, The End Of Chaos is far, far from the end. Flotsam and Jetsam – the album – saw a band firing on all cylinders, writing/performingyearsyoungerthanabandwiththreedecadesofpowerandglorynotchedontheirbulletbelts.TheEnd OfChaosisloadedwith12crushingsongsthatclockinatnearly50minutes,sofortraditionalthrashersthereisplentybone to chew on. Like a prize-fighter that refuses to kneel down, Flotsam And Jetsam tread onward with black eyes and bloody noses. It’s the youthful exuberance and a certain ‘we don’t give a flying fuck about age or time’ mentality. And the kinetic energy that they exude on stage is quite contrary to their street persona.
TheEndOfChaoslead-offtrack“PrisonerOfTime”blastsoutofthegatewithafrenziedrhythmsectionfilledwithahearty doseofMary-masterydouble-bass,asA.K.screamswithpassion“Liveyourlifewithoutregret,don’tbeaprisoneroftime.” And time has been very kind to these legends, despite the roller coaster highs and lows.
„This album kills! says Ken Mary. “It’s all five guys with the gas pedal pushed to the floor for the entire album!“

“Control”,“DemolitionMan”and“UnwelcomeSurprise”continuestosetthetonewithspeedmetalmajestyandtheband’s dual-axe melodies, taking a page out of Iron Maiden and Judas Priest playbooks, take matters to a different frenzied level.
„Itwascooltohaveanewelement ofinfluence onthisalbumwithhavingKen’sdrumpartstopartner withandplayinand around his playing that also go with the guitars and vocals,” Michael Spencer adds. “Glad to have had (longtime Danish producer, mixer, master genius) Jacob Hansen bringing this album to the overall sound and energy it has. Jacob really highlights A.K.’s vocal melodies, as well as Steve and Michael’s songwriting, while the power of the rhythm section drives the songs.“
“Prepare For Chaos” is a purpose-filled and self-explanatory juggernaut as you “prepare to die!” “Architects Of Hate” is yet another monster affair that takes you back to the heyday of ‘80s thrash genius, yet with an infectious hook that only Flotsam can muster. Just a chaos of well-orchestrated chorus lines and you can easily hear “I drink the blood of everyman” being echoed in the live setting around globe!
TheEndOfChaosis“ourheaviest release yetandcan’t waittosharethechaosacrosstheglobe,” Michael Gilbert sayswith complete and utter confidence. And his riffs are his bragging rights.
There is not one moment to take a deep breath as closer “The End” sees Flotsam And Jetsam at the top of their game once again. Each member feeding off each other’s undying emotions, and collectively they are unstoppable. “I can see the end is takingoveranditalwaysbringsmedown,”A.K.reciteswithmajesticgrace.Yes,it’sbleak,buthaveyoutakenalookoutside lately? But that’s the beauty. The angst and anger is an outlet. And for those with Flots ’Til Death tattooed on their headbanging forehead, we welcome the discomforting comfort.
“We’ve been through a lot of crap,” A.K. closes. “For a while I had a lineup with me that was just together to go out on vacations then have the promoters pay for it. And it’s a little different now, we are back to a real band making a stab at growing and becoming a bigger entity in the music industry. Our goal in writing a record, is to put out the coolest music we can. The End Of Chaos hits the mark.”
Right between your fucking eyes!

Fazit

Wie gewohnt liefern Flotsam And Jetsam ein „Killer-Album“ab!Und wie immer sehr intensiv und voll auf die 12!So macht mir das SPASS.Kein langes rumgefrickle-NEIN!Es knallt von Anfang bis zum letzten Song.Genauso muss ein Metal-Album sein!

8 von 10 Punkte


Steel Engraved – Steel Engraved

Release: 25.01.2019

INFO-Auszug

The album was produced by Mario Lochert (Serious Black) and Jan Vacik (Serious Black) at Dreamsound Studios. All vocals produced by Ralf Scheepers at RS Vocal Works. Mixed and mastered by Jan Vacik at Dreamsound Studios. Guest Vocals on “Searching For Regret” by Ralf Scheepers (Primal Fear). Artwork & illustration by Dušan Marković (Dragony, Thor, Jag Panzer).
After the release of their two previous full length albums “State Of Siege” (debut in 2009) and “On High Wings We Fly” (2012) it was about time for STEEL ENGRAVED to record their third album! Within those six years, many things happened; the band was very busy touring across Europe as well as playing a couple of one-off shows on different festivals and concerts. So it was never seriously discussed when to start recordings the predecessor of “On High Wings We Fly”. After a change in the line-up in 2016, the band felt that the time was right to get the spirit alive again!
The first sessions with the new members on drums and bass revealed a much more modern and progressive approach on the sound. The mixture with old-school German Power Metal on songs like “Nightwarriors” & “Rebellion” with orchestral or synth-ie sounds allured the band to walk on new roads while keeping the origin of the band alive. Like the composition recipe on “On High Wings We Fly”, all members were involved in the songwriting process of this new album. All vocals were recorded under the guidance of Ralf Scheepers (Primal Fear) in his studio in Esslingen. A great experience to witness two professional and talented singers working on the highest level! Ralf definitely did influence the whole production of the album vocal-wise, not only because of his guest appearance on the song “Searching For Regret” but with his more than valuable input in the vocal perspective. The team of two experienced sound engineers Mario Lochert and Jan Vacik of Dreamsound Studios -well known for their professional work in recording and mastering- played a significant role in the creation of the album implementing great ideas during the production progress. After signing with ROAR! Rock Of Angels Records, Marco and Andy felt the need to express that this was a new era for STEEL ENGRAVED so the self-title felt fitting for a fresh new beginning! Let STEEL ENGRAVED take you on a majestic, melodic, modern yet old-school ride! Enjoy!

www.facebook.com/steelengraved

www.steelengraved.de

Fazit

Generell finde ich die Herrschaften schon gut.Aber…irgendwas fehlt mir da was.Das will nicht so Richtig zünden…Die Ideen und die Umsetzung des Songmaterials ist gut.Musikalisch ist das schon Klasse!

Aber wie bereits erwähnt…es zündet nicht so RICHTIG!Vielleicht liegt das an den Vocals…Um Gotteswillen-der Sänger ist schon super.Aber ich würde mir da mehr „wucht“ wünschen…Ich behalte die Band mal im Auge und im Ohr-weilich glaube,das da noch viel Luft nach oben ist!

6,5 von 10 Punkte


RAVEN – Screaming Murder Death From Above: Live In Aalborg

Release: 18.01.2019

INFO-Auszug

When the British/American metal trio Raven left the Skråen stage at the end of November 2017 after their acclaimed concert in Aalborg, Denmark, brothers John (bass, vocals) and Mark Gallagher (guitar) along with new member Mike Heller (drums) didn’t foresee their show being recorded for posterity. “We were surprised of course, since nobody had informed us of this beforehand”, John Gallagher explains. “We had a flash drive with the recording delivered to us
and when we checked it, we realized that – barring some small technical problems – we had a truly magical live recording on our hands. It was a near perfect concert thanks to the great atmosphere inside the hall and our out of control attitude – since, you know, we weren’t aware the show was being recorded.” On 18 January 2019 Screaming Murder Death From Above: Live In Aalborg will be released on CD, double LP and in digital format by Steamhammer/SPV. It’s the unbridled show of a band who has been writing metal history for the last 45 years.

The live recording is truly exceptional”, Gallagher confirms. “There were merely one or two small issues, which are bound to happen at a live show such as this: Some irregularities with one of the microphones, and I broke a bass string during the second song of the evening, during ‘Hell Patrol’ actually. Fortunately, both problems could be resolved and we’re able to present a virtually perfect Raven concert to our fans.”

This is all the more surprising, as Raven had to overcome a difficult situation in the spring of 2017: Shortly before the start of their US tour their long-standing drummer Joe Hasselvander suffered a heart attack, putting an end to his active music career. After a few temporary replacements, it was quickly decided that Mike Heller (Fear Factory, Malignancy) would be Raven’s new drummer. “Mike rocks”, Gallagher enthuses, “for our first performance, we could not rehearse with him because of the tight schedule. We just discussed the songs for 30 minutes and … boom! … he played the set practically without mistakes and he`s a such a breath of fresh air to the band. It’s clear from the way he picks up the pace how much he enjoys being with Raven. In some of his former bands, he was limited in the way he played, with us, he’s completely at liberty to improvise and go crazy!”

This delight in playing is reflected in every single note on Screaming Murder Death From Above: Live In Aalborg. Raven expertly combine their own classics with pieces from their newest album Extermination, for example ‘Destroy All Monsters’ (Gallagher: “An incredible live song, which we play, like, ten times as fast on stage as in a studio”) or ‘Tank Treads (The Blood Runs Red)’ along with songs we haven’t heard from Raven in many years: “I believe ‘Hell Patrol’ hasn’t been in one of our set lists in 15 years. The same goes for ‘Hung Drawn & Quartered” we haven’t played that one in a very long time. It was a lot of fun to come back to those songs again.”

As to the differences between the current Screaming Murder Death From Above: Live In Aalborg and earlier Raven live recordings? “We have of course gotten better and better on a technical level over the years. Also, on Destroy All Monsters/Live in Japan (1996), you can clearly hear that I was wrestling with voice issues due to a bout of laryngitis. And if you compare Screaming Murder Death From Above: Live In Aalborg with Live In The Inferno from 1984, it almost seems as if we had taken sedatives back then”, Gallagher says laughingly and concludes with: “The Aalborg recording matches the energy which Raven is exuding 100 percent. It’s the best representation of us as a live band yet.”

6 von 10 Punkte


Altitudes + Attitude – Get It Out 

Release: 18.01.2019

INFO-Auszug

The album artwork was created by Melody Myers (Escape The Fate, CO-OP, Marc Rizzo, Ron Keel). The official lyric video for the first single, “Out Here”, made by by Melody Myers of Designed By Melody.

On paper, Get It Out, the new full-length Megaforce debut from Altitudes & Attitude, might imply something other than a collection of smartly crafted melodic hard-rock songs. After all, A&A is a collaboration between Anthrax’s Frank Bello and Megadeth’s David Ellefson—two virtuosic bass players who’ve anchored some of the fiercest thrash records of all time. But Get It Out reaches far beyond the boundaries of an all-star metal outing or an instrumental chops fest. Tuneful yet aggressive, fun yet thought-provoking, the album is a testament to the expressive strength of rock songcraft. Boasting producer Jay Ruston (Anthrax, Stone Sour, Steel Panther), drummer Jeff Friedl (A Perfect Circle, Devo, Filter) and a deep bench of guest stars including Ace Frehley and Gus G., the record also represents the fulfillment of a lifelong but little-known ambition for two uniquely gifted artists. As Bello puts it, “All I ever wanted to do was write good songs. I’ve always been a melody guy. I love hooks; I love catchy songs with a good riff.”
A kind of rock ‘n’ roll primal-scream therapy, Get It Out is the result of nearly four years of writing and recording sessions—and decades of touring, searching, striving and living. “I’ve learned that writing songs is very cathartic,” Bello says. “A lot of these lyrics are about the inner struggles of my life, and about the rage that has built up from my life experiences—my brother’s murder; my father abandoning my family when we were young, leaving us with no funds to pay the bills. … The ups and downs of life in general. I’ve always had an anger inside that music really helps me deal with.”
“The album has the perfect title,” Ellefson adds. “This is music that has been living inside of us for so long.”
The Altitudes & Attitude story begins in 2010, when Bello and Ellefson started touring together to lead bass clinics for the amp manufacturer Hartke. In need of backing tracks to support their demonstrations, they embarked upon some writing sessions and soon found that their talents and chemistry transcended play-along music. Ellefson revealed himself to be a brilliantly melodic bassist as well as an unshakeable rhythm guitarist whose song ideas featured the singable, hit-savvy lessons of early musical loves like Kiss, Van Halen, Aerosmith and the new wave of XTC and Joe Jackson. Bello had similarly striking abilities on both bass and rhythm guitar, plus a data bank of influences—Kiss, Boston—combining hard-rock intensity with the studio and songwriting knowhow that goes into a flawless single.

What’s more, as Ellefson quickly noticed, Bello harbored a robust, affecting singing voice and an extraordinary capacity for turning his life’s joys and pains into compelling musical narratives. “Frank is a really great singer, but he’s also a really great artist,” Ellefson says. “Emotionally, he’s deep inside his work.” Part hobby, part aspiration and part self-discovery, Bello’s songwriting has long been a daily practice, and he regularly heads downtown from his home to test out new music at open mics. “This is what I do when I’m off tour with Anthrax,” he says. “I sit in a chair with a guitar and I sing.”

Bello and Ellefson debuted Altitudes & Attitude in early 2014, with a self-titled three-song EP that earned the duo airplay on SiriusXM and an appearance on VH1 Classic’s That Metal Show. Those tracks—“Booze and Cigarettes,” “Tell the World,” “Here Again”—are included on Get It Out as bonus cuts, in remixed and remastered form, along with 10 new songs that are at once combustible and reflective. “Late,” the album’s first single and a showcase for Ace Frehley’s trademark guitar leads, is both a message of self-empowerment and a rumination on the challenges of fatherhood as a touring musician. Additional lead guitar on “Late” comes from Miki Black, who provides backing vocals on that track and “Talk to Me.” “All There Is” is a similar midlife meditation, this time about confronting the long-festering problems we let control us. “Out Here,” featuring blazing guitar work by Jon Donais of Anthrax and Shadows Fall, is an opportunity for Bello to tackle the abandonment issues he faced after his father left without warning when the bassist was 10. On “Slip,” Bello tells another tale of his Bronx childhood, about a friendly neighbor who fell into the depths of alcohol and drug abuse. “Booze and Cigarettes” also finds its roots in Bello’s youth; its chorus lyrics are an inside joke that he used to comfort the grandmother who raised him. “Get your booze and cigarettes,” Bello would tell her on their way to her chemotherapy treatments. “Do what you want; forget the rest.”

Throughout this finely wrought contemplation, A&A never turn their backs on hard rock, and Get It Out often plays like a shred-guitar fan’s dream session. Nita Strauss, who currently has a solo spot in Alice Cooper’s legendary live show, plays pure fire on “Part of Me.” Stone Sour’s Christian Martucci offers scorching lead and melody parts on the title track, and Ozzy guitarist Gus G. astounds on “Here Again.” On Ellefson’s majestic instrumental, “Leviathan,” Russ Parrish—a.k.a. Steel Panther’s Satchel—contributes both artful nylon-string playing and exhilarating electric leads. Bassists will find much worth savoring here too, especially Bello and Ellefson’s live-wire leads on “Here Again” and the low-end thunder that Ellefson delivers via an ESP eightstring—the album’s secret weapon of sorts. (Be prepared to transcribe his opening bass parts on “Leviathan.”)

As Ellefson says, “[Get It Out] is very much an important musical statement from Frank and me. There’s a big musical part of each of us that doesn’t get heard anywhere else.”
He also explains that “A&A could have only happened at this moment in time”—when the titans of thrash metal’s Big Four are older, wiser, kinder and more open creatively. “When you’re still climbing up the hill,” he says, “there’s no room for friendly competition. But once you’ve been to the top of the hill and you’ve seen the view—which all of the Big Four have—it’s OK to break bread, hang out, have a drink.” Or, in the case of Altitudes & Attitude, delve into hard-rock songwriting in a profound way. “To hear other sides of us as artists— not just as musicians and performers, but as artists,” Ellefson says, “I think it’s something that we needed to go to the grave feeling like we’ve scratched that itch.”

„Out Here“ Official Lyric Video: https://youtu.be/kmij2mzUju8

7,5 von 10 Punkte

 

 

 

Translate »