Reviews JANUAR 2018



Fleetwood Mac – Fleetwood Mac

Release: 19.01.2018


Nach einer lange währenden musikalischen Identitätssuche und mehreren Versionen des Band-Line-Ups konsolidierte sich 1974 das erfolgreichste Line-Up von FLEETWOOD MAC, als Lindsey Buckingham und Stevie Nicks zu Mick Fleetwood, John McVie und Christine McVie stießen. Mit dem Album Fleetwood Mac (das nach dem 1968er Debüt-Album Peter Green’s Fleetwood Mac das zweite war, das den Bandnamen im Titel verwendete) stellte sich die neue Formation im Sommer 1975 als jene Band vor, wie wir sie heute kennen. Fleetwood Mac war nichts weniger als ein Durchbruchs-Album und erscheint am 19. Januar nun als Deluxe Edition und führt somit die vor einigen Jahren begonnene Reihe der erweiterten und remasterten Editionen fort.

Unter dem Bonusmaterial ist auch ein unveröffentlichter früher Take des Album-Openers „Monday Morning“ zu finden, der hier exklusiv vorab im Stream zu hören ist. Geschrieben von Lindsey Buckingham, war dieser Song eigentlich für das zweite Buckingham Nicks Album vorgesehen und wurde bei den Aufnahmen zu „Fleetwood Mac“ fertiggestellt und gibt klar die neue Richtung für die kommende erfolgreiche Reise der Band vor.

Fleetwood Mac erscheint am 19. Janaur als 3CD/LP/DVD-Audio Deluxe-Version, 2CD Expanded Version und als 1CD remastered.

10 von 10 Punkte

Rick Springfield – The Snake King

Release: 26.01.2018


Rick Springfield’s resume as a successful musician and actor need not be repeated here as it has been well documented many times over the years. What needs to be discussed here is that The Snake King will NOT be the Rick Springfield album you or anyone else was expecting. Rick, not for the first time in his career, has thrown a curveball that surprises and absolutely delights at the same time. The Snake King finds Rick travelling down a dusty dirt road to explore the blues side of his rock ‘n roll. All you have to do is check out two of the first couple cuts on the album, “In The Land Of The Blind” and “Little Demon” to get an understanding of the blues laden journey Rick had decided to allow us to join him on. And of the many delights on this album, Rick’s grossly underrated guitar playing really shines here, perhaps moreso than on any album in his storied catalog. As for the lyrics? Not what you’d expect either, but we’ll leave it up to the listener to decide what’s being relayed there.

7 von 10 Punkte 

Labyrinth – Return To LIVE

Release: 26.01.2018


Labyrinth, Italy’s finest purveyors of power/prog metal, held their first reunion show at Frontiers Metal Festival in Trezzo Sull’Adda on October 30, 2016. The renewed lineup featuring founding members Olaf Thorsen and Andrea Cantarelli on guitars, long time singer Roberto Tiranti and the new faces Nik Mazzucconi (on bass), Oleg Smirnoff (on keyboards) and John Macaluso (on drums( played in its entirety, for only the second time ever, their most popular record (so far), “Return To Heaven Denied”. The landmark album was originally released by Metal Blade in 1998 and is considered by many to be one of the highlights of the power metal genre in the late ‘90s. In fact, Classic Rock magazine in the UK included it in their list of top albums from the genre.

A stellar live performance that is crucial listening/viewing for all fans of the band!

6,5 von 10 Punkte


Release: 26.01.2018

FOR FANS OF: Def Leppard, Blues Rock, Soulful Blues Rock


Phil Collen, lead guitarist of British rock band Def Leppard & alternative roots/rock band Manraze, started Delta Deep as an extreme blues project. The band has been likened to “Aretha Franklin & Chaka Khan performing with Led Zeppelin”. Phil’s love and appreciation for the blues since childhood enabled him to move forward quickly with the band’s inception in 2012. “Blues was created out of something completely different from what we hear today. I grew up listening to rock music but then I found out it was all based on blues. Jimmy Page, Hendrix, all of those guys-they got it from blues. Today’s musicians miss out on what blues is completely about. There’s a type of ‘blues style’ but not actual blues music. I just don’t hear true blues anymore unless I go back and listen to really old music.” With that reasoning Phil decided to change the tide of what he was hearing.

The critical authority, Elmore Magazine said of the band, “If you’re into good old spiritual, emotional and thought provoking rock n roll, look no further than Delta Deep.” Screamer Magazine accurately described Delta Deep’s music as “Sweltering hot, sorrow-drenched, deep southern blues.”  Axis Magazine declared, [i]f the goal of (DELTA DEEP) is to create music that revives an appreciation for blues music. Mission accomplished.”

The band also features Debbi Blackwell-Cook (vocalist/songwriter), Stone Temple Pilot’s Robert DeLeo (bassist), Forrest Robinson (drummer), and Helen L. Collen (songwriter). The band released their self-titled debut in 2015.

The DVD portion of this live CD/DVD was filmed at Daryl’s House (ie. Daryl Hall of Hall & Oates fame) in April 2016.


Phil Collen (guitarist/vocalist/songwriter)

Debbi Blackwell-Cook (vocalist/songwriter)

Robert DeLeo (bassist)

Forrest Robinson (drummer)

Helen L. Collen (songwriter)

7 von 10 Punkte

Ammunition – Ammunition


FOR FANS OF: Eclipse, One Desire, Jeff Scott Soto, W.E.T., Pretty Maids, Wig Wam.


Ammunition was founded in 2014 by the songwriting duo Age Sten Nilsen (former WIG WAM singer) and the multi-talented Erik Mårtensson (Eclipse, W.E.T., Nordic Union). The band released the acclaimed debut album „Shanghaied“ in 2015 independently. Teaming up with former TNT and Jack In The Box bassist Victor Cito Borge, keysman Lasse Finbråten (Circus Maximus, ex-Wig Wam), skinsman Magnus Ulfstedt (Eclipse), and the exceptional guitar player Jon Pettersen, Ammunition has made a name for themselves as an incredible live act. 
 The first taste of music from this self-titled album was released earlier in 2017. „Wrecking Crew“ (written by Nilsen and Mårtensson) landed on the Norwegian charts, taking AMMUNITION to the Norwegian Eurovision grand finale. The full length, original version of the song will be included on the forthcoming album, produced and mixed by the band’s guitar player and co-writer, Erik Mårtensson. 
 Musically AMMUNITION are not too far from what was the trademark sound of Wig Wam, yet is a bit rougher and slightly updated but still laden with fine melodies and massive hooks! 
7,5 von 10 Punkte


Release: 26.01.2018

FOR FANS OF: Symphony X, DIO, Helloween, Savatage


Best known as the bassist for progressive metal giants Symphony X, Mike LePond stepped out on his own to front his own project, Mike LePond’s Silent Assassins in 2014. The band is set to return in 2018 with the long awaited follow up to his highly acclaimed self-titled debut release. 

The sophomore effort, “Pawn And Prophecy” shows an onslaught of true heavy metal in it’s purest form. A full hour of headbanding riffs, kick ass vocals, and lyrics telling epic tales drawing influences from the classic metal bands of the ‘80s to the Viking/Folk metal of today. 

As an example of the range of metal styles here, the title track is a 21 minute opus based on William Shakespeare’s “Macbeth”, where Mike and company have essentially written a heavy metal soundtrack to this classic tale and features guest appearances from Symphony X bandmates Michael Romeo and Michael Pinella.

6 von 10 Punkte

LIONE – CONTI – Lione/Conti

Release: 26.01.2018

FOR FANS OF: Rhapsody, Rhapsody Of Fire, Luca Turilli, Trick Or Treat, Allen/Lande


Alessandro Conti is the singer of the Italian power metal band Trick Or Treat and was also tapped to be the lead singer in Luca Turilli’s RHAPSODY when the two founding members of Rhapsody, Luca Turilli and Alex Staropoli decided to part ways and create their own versions of said band. Fabio Lione is the original singer of Rhaposdy, who fronted the band’s classic albums and he sang for Alex Staropoli’s RHAPSODY OF FIRE, until he decided to rejoin Luca Turilli on the very recent RHAPSODY world tour.

Complicated family tree now explained, the simplest description of this album is that it is essentially an Italian version of the popular Frontier’s project ALLEN/LANDE (the acclaimed studio project featuring legendary metal vocalists Russell Allen and Jorn Lande) fronted by two of the most outstanding singers of the international metal scene.

The album was written and produced by Simone Mularoni of DGM, who undertook the not easy task to recreate the sound of ALLEN/LANDE, but with a slightly heavier and more power metal vibe. MISSION ACCOMPLISHED!


Fabio Lione – lead vocals

Alessandro Conti – lead vocals

Marco Lanciotti – drums

Filippo Martignano – keyboards

Simone Mularoni – guitars, bass

7,5 von 10 Punkt

Beth Hart & Joe Bonamassa – Black Coffee

Release: 26.01.2018


Neu interpretierte Songs von Edgar Winter, Ray Charles, Etta James, Steve Marriott, Ella Fitzgerald, Peggy Lee, Lucinda Williams, LaVern Baker und anderen

 Bereits vier Jahre liegt das letzte gemeinsame Album von Bluesrock-Röhre Beth Hart und Gitarrenikone Joe Bonamassa inzwischen zurück. „Seesaw“ (2013) wurde seinerzeit von Kritikern hoch gelobt, führte die Spitze der Billboard Blues Charts an und war sogar für einen Grammy nominiert. Seither widmeten sich die beiden sowohl im Studio als auch live hauptsächlich ihren Soloprojekten. Mit „Black Coffee“, das am 26.01.2018 erscheint, kehrt das kraftvolle Duo endlich zurück: gemeinsam haben sie zehn Juwelen des Soul neu interpretiert und in ein fesselndes Hörerlebnis verwandelt.

Mit an Bord war erneut Produzent Kevin „The Caveman“ Shirley (Joe Bonamassa, Led Zeppelin, Black Crowes, Aerosmith, Iron Maiden, Rush). Zusammen begaben sie sich auf eine spannende Achterbahnfahrt durch das Repertoire von Edgar Winter, Etta, James, Ike & Tina Turner/Steve Marriott, Ella Fitzgerald, Lil’ Green, LaVern Baker, Howlin’ Wolf, Lucinda Williams und Klaus Waldeck.

Das Album wurde im August 2016 innerhalb von nur fünf Tagen im At The Palms Studio in Las Vegas aufgenommen. Alte Bekannte wie Anton Fig (Schlagzeug / Percussion), Ron Dziubla (Saxophon) und Lee Thornburg (Bläser Arrangements, Trompete, Posaune) sind wieder zu hören. Doch auch neue Gesichter wie Reese Wynans (Keyboards), Michael Rhodes (Bass), Rob McNelley (Rhythmusgitarre), Paulie Cerra (Saxophon), Mahalia Barnes, Jade Macrae und Juanita Tippins (Background Gesang) wurden diesmal willkommen geheißen.

Während sie über die Aufnahmesessions von „Black Coffee“ sowie die Vorgänger „Seesaw“, „Don’t Explain“ (2011) und „Live In Amsterdam“ (2014) sprechen, erklärt Kevin Shirley die Herangehensweise an das neue Album: „Wir wollten nicht nur einfach alte Klassiker neu aufnehmen, wie unzählige Künstler vor uns, sondern den Songs unsere eigene Identität geben. Wir suchten gerade nicht nach den Hits, sondern wollten den Menschen unbekanntere Perlen zurück ins Gedächtnis bringen.

Als es schließlich auf die Aufnahmen zu ging, fragten wir uns, wohin wir mit den Stücken gehen und was wir damit erreichen wollten. Wir hatten etwa 25-30 Songs auf der Liste und wählten unter diesen dann weiter nach Tempo und Arrangements aus. Das war nicht ganz einfach, doch wir wollten in einem bereits etablierten Genre etwas Anderes und Neues versuchen. Wenn man schließlich sieht, dass es funktioniert, ist das unglaublich befriedigend.“

Einer dieser Songs ist der Opener „Give It Everything You Got“, das Edgar Winter 1971 auf dem Album „White Trash“ veröffentlicht hatte. Joe schlug dessen Mischung aus Hard Rock und Stax-Einflüssen vor und die Band setzte den Song beeindruckend um. „Es ist ein alter Klassiker, den jedoch nur wenige Leute kennen.“, sagt Shirley.

„Jeff Beck hat einmal etwas wundervolles zu mir gesagt.“, fügt Beth Hart hinzu. „Er sagte, ‚sobald Du es Dir zu bequem machst, beginnst Du als Künstler zu sterben‘.“ Das habe ich bis heute nicht vergessen. Es ist ein Geschenk mit Joe zu arbeiten, denn mit ihm ist es nie bequem. Bei ‚Give It Everything You Got‘ hatte ich das Gefühl, dass ich den Song erst einmal lernen musste. Ich verließ das Studio und beschäftigte mich mit ihm. Als ich zurückkam, legte die Band los und plötzlich ging alles wie von selbst.“

Shirley fügt hinzu: „Die Band spielte den Song live. Sie kamen einfach ins Studio und spielten, also hätten sie nie etwas anderes getan. Ich habe nicht viele Songs erlebt, die so einfach von der Hand gingen wie dieser. Wir brauchten nur einen Take.“

„Lullaby Of The Leaves” ist einer der weniger bekannten Stücke auf dem Album „Hello Dolly“ (1964) von Ella Fitzgerald. Wie schon mit „Strange Fruit“ auf „Seesaw“ verwandelten Beth und Joe wieder einen Song der Künstlerin in eine zarte, aber dennoch filmische Darbietung.

„Ich kann mich endlich selbst der Musik widmen, die ich immer nur von Weitem bewundert habe.“, gesteht Bonamassa und lacht: „Ihr wollt nicht, dass ich Ella Fitzgerald-Songs singe!“ Beth fügt hinzu: „Ich hätte mich ohne Joe nie an Ella Fitzgerald herangetraut. Ich bin mit ihren Songs aufgewachsen und wollte sie immer selbst singen, doch ich hätte nie daran geglaubt, dass ich das auch könnte.“

Das gospelgefärbte R&B-Stück „Saved“ stammt aus der Feder von Lieber & Stoller und wurde bereits von Elvis Presley, Brenda Lee, Billy Fury, Elkie Brooks, The Band und vielen anderen gecovert. Beth und Joe nahmen sich der Version von LaVern Baker an, eine von nur zwei Künstlerinnen, die 1991 in die Rock’n’Roll Hall Of Fame aufgenommen wurde. Der Song ist treibend, leicht ironisch und wir aus der Perspektive eines Menschen erzählt, der der ein schnelles, liederliches Leben geführt hat. Dann wurde er von einer höheren Macht „gerettet“ und predigt jetzt an der Straßenecke anderen Leuten die Worte Gottes.

Eine komplett andere Stimmung ist hingegen auf dem sinnlichen „Soul On Fire“ zu spüren, auf dem sie Bakers allererster Soloveröffentlichung Tribut zollen.

„Sitting On Top Of The World” ist ein eiskalter Klassiker, dem Ikonen wie Ray Charles, Howlin’ Wolf, B.B. King, Cream und The Grateful Dead bereits ihren eigenen Stempel aufgedrückt haben. Bonamassas Gitarren und Wynans Keyboards liefern sich hier ein wirbelndes Duell, während Harts Stimme den Song durch die Stratosphäre treibt.

„Joy“, im Original von Lucinda Williams hat einen unwiderstehlich kehligen Groove. „Für diesen Track jammte die Band unglaublich lange und laut im Studio. Die Energie, die dabei entstand, ist auch auf der Platte zu hören. Ich liebe es.“, freut sich Shirley.

„Addicted“ ist ein relativ junger Song und wurde 2007 vom österreichischen Elektrotrio Waldeck veröffentlicht. Shirley hörte das Trip Hop lastige Original, als er das Land während eines Urlaubs bereiste.

Das schwelende „Damn Your Eyes“ stammt von Etta James Comeback Album „Seven Year Itch” (1988). Das jazzlastige “Why Don’t You Do It Right” von Joe McCoy erschien erstmals 1941. Ein Jahr später coverte Peggy Lee das Stück und verkaufte über eine Million Singles davon, nachdem er im Film „Stage Door Canteen“ 1943 eingesetzt worden war.

Zu Ike & Tina Turners „Black Coffee” wurden sie von Steve Marriott inspiriert, der den Song 1973 live bei BBCs „Old Grey Whistle Test“ sang. Beth singt den Song mit ebenso viel Feuer, Wut und Soul.

„Es hängt wirklich alles vom Gesang ab.“, sagt Joe. Wir können die Musik nicht ohne Beth machen. Sie ist der Kitt, der uns zusammenhält und unser Antrieb, 110% zu geben. Würden wir den Gesang erst später aufnehmen, wäre diese Magie nicht da.

Beth nickt zustimmend: „Wenn jeder nur seine Noten einspielt und ich ganz am Ende dazu singen soll, fühlt es sich nicht mehr wie Musik an, eher wie ein Besuch beim Arzt. Wenn ich hingegen Joe und Kevin sehe oder das Schlagzeug oder den Bass, kann ich die Schwingungen spüren. Es verändert alles!“

Shirley hatte mitnichten reine Studioversionen im Kopf, sondern plante von vorne herein, sie irgendwann auf die Bühne zu bringen. „Im Studio haben wir uns daher überlegt, wie wir die Songs live spielen könnten und wie sie da draußen am besten funktionieren würden. Die Band fühlte sich herausgefordert, dass wir nur fünf Tage Zeit hatten. Obwohl es sehr gute und erfahrene Musiker sind und sie in der Oberliga spielen, hat sie das angetrieben.“

„Kevin hat es wirklich drauf!“, lächelt Beth. „Es war seine Idee, das Album auf die altmodische Art aufzunehmen. Früher hatten die Musiker und Sänger nur ein paar Stunden Zeit, um ein komplettes Album im Studio einzuspielen. Sie gingen einfach rein, spielten und gaben alles, was sie nur konnten. Das macht ein gutes Album aus, damals wie heute.“

8 von 10 Punkte

Video Premiere „Black Coffee“:

Magnum – Lost On the Road To Eternity

Release: 19.01.2018



Was genau sind eigentlich die offensichtlichen Kriterien für einen typischen Magnum-Song? Natürlich vor allem die charismatische Stimme von Sänger Bob Catley und das melodische, unaufhaltsam vorwärtstreibende und rockige Songwriting von Gitarrist Tony Clarkin, den beiden Gründern der englischen Band. Darüber hinaus verbreiten sämtliche Magnum-Kompositionen eine nur schwer in Worte zu fassende Magie, eine märchenhafte Atmosphäre, die durch Clarkins poetischen Songtexte entsteht und in den Köpfen der Fans Klangbilder erzeugt. Kein Zweifel: Es ist das Zusammenspiel mehrerer Komponenten, die Magnum seit mehr als 40 Jahren zu eine der charismatischsten englischen Rockbands machen und ihre Musik bis in die Gegenwart hinein auszeichnen. Mit ihrem neuen Album Lost On The Road To Eternity, das am 19. Januar 2018 über Steamhammer/SPV veröffentlicht wird, begehen Magnum nun ein imposantes Jubiläum: Es ist ihre 20. (!) Studioscheibe und – so viel sei bereits verraten – eine ihrer vielseitigsten und zugleich homogensten.

Womit sich dieser erneute Kreativhöhepunkt erklären lässt? Clarkin: „Da ich mit dem Songwriting bereits vor Beginn der letzten Tournee begonnen hatte, konnte ich anschließend die ersten Ideen im Abstand von einigen Wochen auf mich wirken lassen und dabei feststellen, dass ich auf dem richtigen Weg bin“, blickt er zufrieden zurück. „Dieses gute Gefühl hat mich natürlich inspiriert, weitere starke Nummern zu schreiben. Ansonsten galt die übliche Magnum-Formel: Ich gehe ins Studio, probiere Ideen auf der Gitarre oder am Keyboard aus, und versuche daraus, den bestmöglichen Magnum-Song aller Zeiten zu schreiben.“

Starke Kompositionen mit eingängigen Melodien findet man auf Lost On The Road To Eternity gleich eine Vielzahl, sei es der handfeste Opener ´Peaches And Cream` oder das von einem kernigen Rockriff angetriebene ´Storm Baby`. Als erste Single wird das auf einem signifikanten Groove basierende ´Without Love` ausgekoppelt, nicht weniger spektakulär ist die Zusammenarbeit mit Tobias Sammet im Titelsong, eine Art künstlerischer Gegenbesuch des Edguy/Avantasia-Frontmannes als Dankeschön für Catleys Gastrolle auf einigen seiner Veröffentlichungen. Zusätzlich veredelt wird ´Lost On The Road To Eternity` durch ein stimmungsvolles Arrangement des Wolf Kerschek Orchesters. Das Album endet schließlich mit einem von einer bluesigen Gitarre verzierten Song namens ´King Of The World`, das würdige Finale einer überaus farbenreichen Scheibe.

Auch wenn natürlich Clarkin und Catley die wichtigsten Protagonisten im Magnum-Kosmos sind, darf man die drei anderen Bandmitglieder nicht vergessen. Zumal – neben Bassist Al Barrow, der bereits seit 2001 zur Gruppe gehört – mit Keyboarder Rick Benton und Schlagzeuger Lee Morris zwei neue Namen im aktuellen Line-Up auftauchen. Benton stieß im Dezember 2016 zur Gruppe und ersetzt das langjährige Mitglied Mark Stanway, während Morris erst vor wenigen Monaten für Harry James gekommen ist. „Harry hat mit Thunder und Snakecharmer gleich zwei weitere Bands, deren Termine zunehmend schwieriger mit unserem Zeitplan zu koordinieren sind“, erläutert Clarkin und gesteht: „Ich muss zugeben, dass ich ihn nur ungern habe ziehen lassen, aber nachdem Lee zum ersten Mal für uns getrommelt und dabei gezeigt hat, dass er noch mehr rhythmische Komplexität in unsere Songs bringt, bin ich mit dieser Umbesetzung mehr als zufrieden.“ Ähnlich positiv äußert sich Clarkin über seinen neuen Keyboarder Rick Benton: „Rick hat frischen Wind und interessante Ideen in die Band gebracht. Sein Spiel ist sehr durchdacht, außerdem scheint er intuitiv zu wissen, was zu unseren Songs passt. Man erklärt ihm einfach das vage Arrangement, und er liefert sofort das perfekte Ergebnis ab.“ Man höre und genieße den stimmungsvollen Mittelpart von ´Welcome To The Cosmic Cabaret`, um zu verstehen, welch großer Gewinn Benton für Magnum ist.

Man muss kein Prophet sein, um zu erkennen, dass Magnum-Fans an Lost On The Road To Eternity ihre helle Freude haben werden. Zumal neben einem erneut brillanten Cover-Artwork von Rodney Matthews gleich vier Live-Bonustracks (´Sacred Blood – Divine Lies`, ´Crazy Old Mothers`,  ´Your Dreams Won`t Die` & ´Twelve Men Wise And Just`) vom 2017er Auftritt beim Leyendas Del Rock Festival im spanischen Alicante die Scheibe zusätzlich aufwerten. Fazit: In dieser Form werden Magnum auf dem Weg in die Ewigkeit nicht verlorengehen!
10 von 10 Punkte

AMMOURI – Dare To Be Happy

Release: 12.01.2018


AMMOURI (Marina Ammouri) ist eine schwedische Metal-Künstlerin, Rocksängerin, Songwriterin, Musikproduzentin und Model. Sie genoss eine klassische Klavierausbildung und absolvierte das SAE College als Tontechnikerin. Bislang schrieb die Schwedin auch Songs für Künstler anderer Genres und produziert für u.a. Therese (Terran) Andersson Lewis, Regina Lund, und die Les Patrones von der Elfenbeinküste, die portugiesische Sängerin Mila Ferriera und viele mehr. Im Jahr 2012 waren vertraten ihre Lieder Schweden im Baltic Song Contest. Die schwedische Sängerin und Schauspielerin Regina Lund und die osteuropäische Band MMadCatz waren hier die Haupt-Acts. Drei Jahre später schrieb und produzierte sie einen Crossover-Song für die schwedische Operngruppe „Opera Light“, welcher auch im schwedischen Königshaus seinen Platz bekam. In der Folgezeit entschied sich Marina, mit dem Songwriting für sich selbst zu beginnen und zu ihren eigenen Wurzeln im Rock- und Metalbereich zurückzukehren.

Im Januar 2017 veröffentlichte AMMOURI ihre erste selbstgeschriebene Single ”Fill Your Heart With Love”, die auch auf dem kommenden Album „Dare To Be Happy“ enthalten sein wird. Die Resonanzen waren hervorragend. Für ihre kraftvolle Stimme wurden zugleich Vergleiche mit Doro Pesch gezogen. Einige der Female Metal Voices Communities im Internet bezeichneten AMMOURI zugleich als „neues Gesicht des Female Metals“.

Im Frühjahr 2017 wurde das schwedische Multitalent von Maestro Mistheria (Vivaldi Metal Project) für eine Zusammenarbeit eingeladen. Sie gingen im Oktober 2017 zusammen auf eine Unplugged Tour in Italien mit Vivaldi Metal Project, wo sie einige Songs von Vivaldi sowie die zweite AMMOURI-Single „Monster Of Your Own Creation“ und einige weitere Stücke vom Album „Dare To Be Happy“ darboten, welches am 12.01.2018 bei Pride & Joy Music erscheinen wird. Für das Album wartet AMMOURI mit einem beeindruckenden Line-Up auf; zu hören sind u.a. Pontus Egberg (Bass, The Poodles, King Diamond) auf allen Songs, Ausnahmegitarrist Staffan Österlind (Paul Dianno, Iron Maiden usw.), welcher auf der Single „Monster Of Your Own Creation“ zu hören ist, sowie bei „More than Everything”, ”Bad Illusion”, ”Not Anymore” und ”Starlight”. Egberg coproduzierte sechs Stücke; Österlind den Track „Bad Illusion“. Tony Borg (Gitarre, Alien) spielte ein Solo bei „Bad Illusion“ und fungierte als Co-Produzent bei „Fill Your Heart with Love“.

Des Weiteren sind Schlagzeuger Johan Kullberg (Therion, Hammerfall), John Berg (Gitarre bei “Manipulation”, “Dare to Be Happy”) u.v.m. zu hören.

7 von 10 Punkte

JUSTIFY REBELLION – Unleashing The Beast

Release: 19th of January 2017


This January 2018, the debut album of Justify Rebellion ‘Unleashing The Beast’ is being released, it is an album which takes point of departure in the animalistic instincts in us as humans and the dark thoughts which surrounds us in our daily routines, gloomy myths and tales from old times. The song ‘Beast’ was released as a precursor to the album which had its music video premier on the swedish ‘Sweden Rock Magazine’, the german ‘Legacy – The Void from the Darkside’ and the danish ‘Metalized’ and meanwhile securing playtime on the danish rock radio: ‘myROCK’.

The album represents the surrounding problems and the critical factors which are to be found in the postmodern society which we are a part of.

The band has managed to write an album full of material from those inspirations sources and the album is with subjects as evilness, power struggle and superstition.

The album is recorded in CB Studios in cooperation with the danish producer Christian Bonde Sørensen also known as the lead singer in the band ‘Whores and Thieves’. The first tracks were recorded in the middle of 2015 where the band spend a lot of time polishing, exploring the songs and challenging the borders of how music can be interpreted. By doing that, the band found their exact sound and expression which together made the band’s hard expression of the human being in it’s most “evil form”.

The sound of the album is inspired by the hard edge of the 80’s and the songs do have a tiny touch and sometimes a strong mixture of heavy metal and thrash metal where the guitar sound is in focus with a powerful and hard vocal resounding to the thundering drums and bass to keep everything in order.

6 von 10 Punkte

LEAVES EYES – Sign Of The Dragonhead

Release: 12.01.2018


Die Wikinger-Segel sind gesetzt – 2018 steht im Zeichen des Drachenkopfes.
Kompromisslos, kämpferisch, episch – die neuen LEAVES‘ EYES! Eine der erfolgreichsten Bands des Symphonic Metal ist zurück und stellt sich mit breiter Brust den großen Erwartungen an ihr siebtes Album. Leaves‘ Eyes sind die Geschichtsschreiber des Metal. Jedes Album vertont ein Kapitel nordischer Mythologie und Sagen. „Lovelorn“ (2004) taucht ein in die mystische Welt einer Meerjungfrau. Die legendäre „Vinland Saga“ erweckt 2005 die Wikinger zum Leben. Das Chartalbum stößt die Erfolgswelle los, auf der das bombastische „Njord“ (2009) die Abenteuerreise der mittelalterlichen Seefahrer fortsetzt. „Meredead“ schreckt mit keltischen Folk-Klängen die Geister der Meereswelt auf. Die Metal-Oper „Symphonies Of The Night“ (2013) setzt den heldenhaften Frauen vergangener Jahrhunderte ein Denkmal. Die Faszination der Musiker für Mythen und die gewaltige, nordländische Natur ist in allen Kompositionen greifbar. Jedes Leaves‘ Eyes-Album erklingt als Soundtrack der in mehrsprachigen Konzepten aufgegriffenen Historie. 2015 fertigen Leaves‘ Eyes mit dem Epos „King Of Kings“ ein eindrucksvolles Monumentalwerk über den ersten König Norwegens. Das ausgefeilte Konzeptwerk setzt sich in zahlreichen Charts fest (u.a. Platz 15 in Deutschland) und zementiert den Fußabdruck dieser stilprägenden Band in das Fundament des Symphonic Metal. Ausverkaufte Konzerte in Europa, Asien, Nord- und Südamerika (u.a. US-Tour 2017 mit Sabaton) auf der „King Of Kings“-Welttour zeugen von der weltweiten Begeisterung. Die Live-Shows sind spektakuläre Events in atemberaubender Bühnenkulisse, wie einem Wikingerschiff oder dem monumentalen Denkmal „Schwerter im Felsen“.
Im April 2016 übernimmt die Finnin Elina Siirala von Liv Kristine das gesangliche Steuer auf dem Langschiff. Mit ihrer überzeugenden Live-Premiere vor über 20.000 Metal-Heads beim „Hammersonic“ in Jakarta / Indonesien und den anschließenden Festivalkauftritten (u.a. Headliner Shows beim Metal Female Voices, Wave Gotik Treffen, Masters of Symphonic Metal, Full Metal Cruise) und Touren in Europa, USA und Kanada etabliert sie sich als stimmgewaltige, charismatische Frontfrau und entfacht bei den Fans umgehend Euphorie. „Sign Of The Dragonhead“ ist nach der sofort ausverkauften EP „Fires In The North“ (2016) das erste Vollprogramm in neuer Mannschaft.
Die Chronik der Wikinger wird nahtlosweitergeschrieben und offenbart,dassdieGruppeihreStärkensogarnochperfektionierenkann.Gleichzeitig heben musikalische Überraschungen den Bandsound auf eine neue Ebene. Der Titeltrack schlägt als rauer Stampfer mit martialischen Chören eine klangliche Brücke zu „King Of Kings“ und setzt die Abenteuerreise Haralds I. fort. Frontmann Alexander Krull und Gitarrenvirtuose Thorsten Bauer beweisen sich erneut als Meister im Komponieren packender Metal-Hits. Bei jedem Track drehen die Musiker die kreativen Stellschrauben. Ein beachtliches Maß an Abwechslungsreichtum offenbart sich, ohne die prägenden Soundelemente zu vernachlässigen. „Across The Sea“ steigert sich zu einem Metal-Shanty, dessen mitreißender Rhythmus live ein unvermeidlicher Nackenbrecher sein wird. „Like A Mountain“ vertont eine tragische isländische Liebes-Sage und überrascht als bass-lastiger Goth-Rock-Track. Ein gefühlvoller Song, dem es nicht an Härte mangelt und bei der Elina die ganze Vielfalt ihres Gesangs offenbart. Souverän und eigenständig machtsichihreklassischausgebildete Stimme–malsanft,malkraftvoll–dieSongszueigenundverleihtauch dem Wechselspiel mit Alex‘ Growls eine individuelle Note. Leaves‘ Eyes gelingt das Kunststück kompositorisch komplexer und dennoch greifbarer Songs. Perfekt abgestimmte Instrumentierung – nie verkopft, immer unkonventionell. Wie selbstverständlich fügen sich etwa die mittelalterliche Nyckelharpa, Fiddles oder Uilleann Pipes und Whistles in das Metal-Gewand und erzeugen eingängige Ohrwürmer wie „Shadows In The Night“ oder „Völva“, welches in die mystischen Welten der Seherinnen und Zauberinnen der Nordländer eintaucht. Einen Song wie „Riders On The Wind“ dürfte niemand erwartet haben – klassischer Heavy Metal und keltischer Folk krachen zur akustischen Viking-Party aufeinander.
Die tiefe Verbundenheit der Musiker zur Wikingerzeit offenbart „Jomsborg“ über die sagenumwobene Festung und deren Wikinger-Truppe vom Baltischen Meer, aus deren Gegend sogar Alex‘ Vorfahren stammen. Gleichzeitig ist „Jomsborg“ eine Hommage an die heutige Wikinger-Reenactment-Szene, die sich immer größerer Beliebtheit erfreut. Die Armee erstklassiger Gastmusiker – der legendäre Soundtrack-Chor „London Voices“ („Star Wars“, „Lord Of The Rings“, „Hunger Games“) und Victor Smolskis „Almanac Symphony Orchestra“ aus Minsk – machen Brecher wie „Waves Of Euphoria“ zu epischen Klangmonumenten. Die wieder einmal brillante Soundproduktion von Alexander Krull in den Mastersound Studios lässt keinen Fan-Wunsch offen. Auch optisch findet die Musik erneut ihre adäquate Weiterführung und wird zum Gesamtwerkvollendet.
Das opulente Artwork von StefanHeilemann und der bombastische Videoclip zumTiteltrack machen die Nordmänner sichtbar und unterstreichen den perfektionistischen Anspruch an die Kunst dieser Ausnahmeband. Leaves‘ Eyes klingen direkter, druckvoller und einzigartiger als je zuvor. „Sign Of The Dragonhead“ spielt in der musikalischen Spitzenklasse und schlägt mit neuer Ausnahmestimme und bewährter Kraft eine beachtliche Kerbe in die beeindruckende Erfolgsgeschichte dieser Band, an deren Horizont sich bereits die nächsten Großtaten ankündigen. Volle Fahrt voraus!

7,5 von 10 Punkte

ANVIL – Pounding The Pavement

VÖ Datum: 19. Januar  2018


Sicherlich gibt es Bands, die sich noch höher in den Charts platziert konnten, mehr Alben verkauft und größere Hallen gefüllt haben als Anvil. Trotzdem genießt kaum eine andere Metal-Formation so viel Respekt unter Kollegen wie die kanadische Gruppe um Sänger/Gitarrist Steve ´Lips` Kudlow und Schlagzeuger Robb Reiner. Zu den namhaftesten Anvil-Bewunderern gehören unter anderem internationale Stars wie Metallica oder auch der leider verstorbene Lemmy von Motörhead, die immer wieder ihre uneingeschränkte Hochachtung äußerten. Die Gründe für diesen offenkundigen Respekt liegen auf der Hand: Seit 1978 sind Anvil der Inbegriff einer leidenschaftlichen Heavy Metal-Band, die sich auch von Nackenschlägen, widrigen Umständen und geschäftlichen Ungereimtheiten nicht vom Kurs haben abbringen lassen. Ihr neues Album Pounding The Pavement gibt diesem bravourösen Durchhaltevermögen Recht: Nie zuvor klangen Anvil so vielseitig, entschlossen und inspirierend.


Weshalb Pounding The Pavement so überzeugend ausfällt? Kudlow hat dafür eine ganz einfache Erklärung: „Das Songwriting begann bereits unmittelbar, nachdem unser letztes Album Anvil Is Anvil fertiggestellt war“, erzählt er, „insofern waren wir mit unseren Gedanken sofort wieder auf die Zukunft ausgerichtet. Als die letzte Scheibe im Kasten war, wusste jeder genau, was wir gerade abgeliefert hatten und wie die Zukunft von Anvil klingen soll.“ Trotz aller Ideenvielfalt ist es Kudlow, Reiner und ihrem Bassisten Chris Robertson gelungen, auch die typischen Merkmale dieser außergewöhnlichen Band erneut mit Leben zu füllen. Ein wichtiger Gesichtspunkt für ein Anvil-Werk, denn Tradition und Zuverlässigkeit spielen in dieser Band eine essentielle Rolle. Kudlow: „Natürlich lassen wir immer auch Inspirationen durch frühere Veröffentlichungen zu, aber stets unter dem Aspekt einer gezielten Aktualisierung des charakteristischen Anvil-Sounds. Viele Fans bitten darum, dass wir so spielen wie in den so genannten guten alten Tagen. Deshalb versuche ich von Zeit zu Zeit, dieses prickelnde Gefühl älterer Songs wieder aufzugreifen. Allerdings geht dabei immer nur um das damalige Grundgefühl, nie um die Kopie eines bereits dagewesenen Songs.“


Ein wichtiger Aspekt, der sich auf Pounding The Pavement in typischen Anvil-Dampframmen wie ´Smash Your Face`, ´Rock That Shit` oder ´Ego` äußert, in denen Kudlow seine rasiermesserscharfen Gitarrenriffs über das dynamische Rhythmusfundament von Reiner und Robertson ausbreitet und mit seinem gewohnt rauen Gesangsstil für zusätzliche Schärfe sorgt. Aber es gibt auch ungewöhnliche Nummern wie etwa ´Warming Up`, bei dem Anvil eine Art Swing-Jazz in die Welt von Rock und Metal transformieren. Am überraschendsten ist jedoch ´Nanook Of The North` mit einem Text über das Schicksal der Eskimos: „Wir wollten als kanadische Band gezielt mehr kanadische Themen aufgreifen“, erklärt Kudlow. „Ich erinnerte mich einen Kurs auf dem College in Filmgeschichte, bei dem ich eine der ersten Fernsehdokumentationen der Welt kennengelernt hatte. Ich recherchierte im Internet und stieß dabei auf diesen eigentümlichen Obertongesang der Eskimos. Ich war total fasziniert und wusste sofort, was ich zu tun hatte: nämlich einen Song in diesem typischen Tribal-Feeling zu schreiben. Der besagte College-Film entstand irgendwann in den 1920ern und hieß ´Nanook Of The North`, benannt nach dem Protagonisten des Streifens. Damit hatte ich meinen Titel und auch das Thema gefunden.“


Produziert wurde Pounding The Pavement im ´Soundlodge`-Studio in Rhauderfehn im Nordwesten Deutschlands. Hier fanden Anvil nicht nur die nötige Ruhe und Abgeschiedenheit, um sich komplett auf die Aufnahmen konzentrieren zu können, sondern mit Studiobesitzer Jörg Uken auch den perfekten Produzenten für ihre ambitionierte Arbeit. Apropos: Beim programmatischen Albumtitel Pounding The Pavement handelt es sich um ein Synonym für die immer wieder harte Herausforderung, das wirtschaftliche Überleben von Anvil zu sichern. Kudlow: „Ich denke, nichts könnte besser als Pounding The Pavement beschreiben, wie wir seit 40 Jahren arbeiten: Anvil versuchen seit vier Jahrzehnten, genügend Geld zu verdienen, um überleben und weitermachen zu können.“


Angesichts der überzeugenden neuen Scheibe, die vor Ideen nur so strotzt, können Anvil weiterhin optimistisch in die Zukunft schauen, wohlwissend, dass sie sich – wie im Song ´Doing What I Want` anschaulich artikuliert – auch dieses Mal künstlerisch nicht verbiegen mussten: „Trotz aller Widrigkeiten, die das Musikerleben mit sich bringt, sind wir immer noch in einer ausgesprochen privilegierten Situation. Wir können tun und lassen was wir wollen. Niemand redet uns rein, keiner versucht uns in die eine oder andere Richtung zu drängen. Welcher andere Künstler kann das schon von sich behaupten? Selbst die größten Bands der Welt sind darauf neidisch und sagen: ´Ihr verdammten Bastarde konntet immer tun und lassen, was ihr wolltet.` Genau das haben wir auch mit Pounding The Pavement wieder getan.“

7,5 von 10 Punkte


Release: 12.01.2018


Wann auch immer CORROSION OF CONFORMITY ein neues Album veröffentlichen, schenken ihm die Leute Aufmerksamkeit. Doch ihr neuestes Werk stellt ein wahres Großereignis dar. Denn es ist eine gefühlte Ewigkeit her, dass C.O.C. neues Material mit Sänger/Gitarrist Pepper Keenan als Fronter aufgenommen haben. Immer wieder gab es Gerüchte, dass sich die legendäre Southern Rockband wiedervereinen würde, um die Szene erneut aufzumischen. Nachdem er den Globus knapp ein Jahrzehnt lang als Gitarrist der New Orleans-Supergroup DOWN bereist hatte, nahm Keenan 2014 wieder Kontakt mit dem C.O.C.-Kern um Woody Weatherman, Mike Dean und Reed Mullin auf, um sich anschließend ausgedehnt auf Tour zu begeben. „Reed rief mich an und fragte, ob wir vielleicht ein paar Shows zusammen spielen könnten“, erinnert sich Keenan. „Ich sagte: ‚Lass uns einfach nach Europa gehen und sehen, ob das Ganze funktioniert.‘ Also haben wir uns nach Europa begeben und sind schließlich innerhalb eines Jahres viermal dorthin zurückgekehrt. Kurz darauf haben wir ein Angebot von Nuclear Blast erhalten und keine Sekunde darüber nachgedacht, irgendwo anders hinzugehen. Wir haben uns ein Jahr auf Tour begeben und dann vor zehn oder elf Monaten mit den Aufnahmen begonnen.“

Sehr geehrte Damen und Herren, das lange Warten hat nun ein Ende. CORROSION OF CONFORMITY sind mit »No Cross No Crown« zurückgekehrt – einem Album, das einen glauben lässt, dass zwischen »In The Arms Of God« (2005) und heute keine Zeit vergangen sei. Einige der neuen Tracks hätten locker auch auf »Wiseblood« oder »Deliverance«, zwei von C.O.C.s meistgeschätzten Platten, vertreten sein können. „Ja, das war so gewollt“, stimmt Keenan zu. „Wir haben nicht versucht, es wie irgendwelche andere Alben klingen zu lassen, aber wir schreiben die Songs eben auf eine gewisse Art und Weise. Es war uns wichtig, dass wir eine Platte machen – ich wollte keine zehn oder zwölf Songs in derselben Form mit derselben Gitarrenstimmung oder so schreiben. Wir haben jeden Track als Individuum betrachtet und jeweils komplett einzeln eingespielt.“

C.O.C. haben »No Cross No Crown« mit Langzeit-Produzent John Custer in North Carolina aufgenommen. Dabei haben sich die etwa 40 Studiotage über ein ganzes Jahr verteilt. „Wir haben uns Zeit gelassen und uns nicht unter Druck gesetzt“, verrät Keenan. „Ich habe mich von New Orleans dorthin begeben und wir haben vier oder fünf Tage am Stück genutzt und einfach reingehauen. Das Ganze hat echt Freude bereitet, als hätten wir Demos in einem Studio aufgenommen. Wir waren gleichzeitig am Schreiben und Aufnehmen. Wir haben Parts aus den alten Zeiten genommen, die wir für gut befunden haben, und hatten keine Angst, einen Schritt zurück zu machen. Auf diese Weise hat sich das Album quasi selbst geschrieben.“

Der erste Song, den das verjüngte Quartett gemeinsam geschrieben hat, war ‚Wolf Named Crow‘, ein schwerer Rocker mit dem klassischen C.O.C.-Swing. „Ich hatte einen krass aussehenden schwarzen Hund mit blauen Augen, der Crow (dt. ‚Krähe‘) hieß“, erklärt Keenan. „Ich bin mit ihm durch die Gegend, in der ich in New Orleans wohne, spazierengegangen, als ein kleines Kind daherkam und fragte: ‚Krass! Ist das ein Wolf?‘ Ich bejahte. Es fragte weiter: ‚Wie heißt er denn?‘ Ich entgegnete ihm: ‚Crow.‘ Es war erstaunt: ‚Krass! Er hat einen Wolf namens Crow!‘ Dann lief es weg und erzählte die Geschichte seinen Freunden usw. Da hat es bei mir geklingelt. Also nahm ich die Idee beiseite und formte einen Song daraus, in dem es ums Gejagtwerden geht.“

Selbstverständlich war sich die Band bewusst, dass jedes C.O.C.-Album mit Keenan an der Front analysiert, geprüft und mit den bereits erwähnten Kultalben »Deliverance« und »Wiseblood« verglichen werden würde. „Das war bei mir die ganze Zeit im Hinterkopf“, gesteht Keenan. „Die größte Herausforderung für mich war, Songs mit derselben Attitüde und vom selben Kaliber zu schreiben, wie wir sie bisher geschaffen haben. Ich wollte nicht als 50-Jähriger rausgehen und ein mittelmäßiges Werk abliefern.“

Auf »No Cross No Crown« treffen Stampfer wie ‚The Luddite‘, ‚Little Man‘ und ‚Forgive Me‘ auf melancholische Gitarren-Zwischenspiele wie ‚No Cross‘, ‚Matre’s Diem‘ und ‚Sacred Isolation‘ – wie es einst SABBATH in den 70ern gemacht haben. „Wir haben auf »Deliverance« damit angefangen“, stellt Keenan klar. „Ich habe meine eigene Theorie dazu aufgestellt: Wenn du ein Album fließen lassen willst, musst du es hin und wieder unterbrechen. Wenn du eine Verschnaufpause brauchst, schreibe ein Interlude. Ich liebe diese sanften Stück, um alles andere einfach auszusperren. So erhalten die jeweils nächsten Songs eine noch härtere Wirkung.“

Der ikonische Albumtitel stammt von einem kürzlichen Tourstop in England. „Wir haben in einer Kirche aus dem 17. Jahrhundert gespielt, die zu einem Kulturzentrum umfunktioniert worden ist“, erinnert sich Keenan zurück. „Die Umkleide hatte dreckige Glasfenster, wovon eines diesen armen Kerl zeigte, der enthauptet wird. Darunter war ‚No Cross no crown‘ zu lesen. Dieser Satz blieb mir in Erinnerung. Wir wollten uns damit nicht einschränken, aber wir haben dieses Thema als Katalysator fürs Songwriting genommen.“

»No Cross No Crown« hat also viel weniger mit Politik oder Religion zu tun, als sein Titel vermuten lässt. „Ich finde, dass sich jeder generell von dieser Denkweise entfernen muss“, legt Keenan dar. „Dort draußen scheint heutzutage alles ein einziges Chaos zu sein. Wir sollten damit beginnen, wieder Mensch zu sein, wir sollten uns um uns und um die einfachen Dinge kümmern. Für uns ist ‚No cross no crown‘ ein Thema, mit dem es sich zu beschäftigen gilt, weshalb es über die Albumdauer in drei Songs Erwähnung findet. Wir haben es einfach eingebunden, wenn es gepasst hat.“

C.O.C. mit Pepper Keenan steht natürlich für eine ganz andere Herangehensweise als das C.O.C.-Trio, das in seiner Abwesenheit das selbstbetitelte Album (2012) und »IX« (2014) eingespielt hat. „Das sind zwei Paar Schuhe. Es ist eine komische Situation für mich, da wir diese Songs nicht live spielen, wenn ich dabei bin“, so Keenan. „Wir haben so viel Material von den Platten, bei denen ich dabei war, dass wir einfach bei diesen Songs geblieben sind.“

„Das ist ein seltsames Rock n‘ Roll-Rätsel, aber es könnte schlimmer sein“, fügt er hinzu. „Es könnte sich wie mit David Gilmour und Roger Waters verhalten, die mit zwei verschiedenen Bands andere Wege gehen. Aber das ist es nicht wert. Wenn man Bands sieht, die es so praktizieren, denkt man sich: ‚Jungs, begrabt einfach das Kriegsbeil und spielt zusammen. Das ist doch nicht so schwer.‘“

Nicht, dass C.O.C. jemals ein Kriegsbeil zu begraben gehabt hätten. „Es ist einfach im Sande verlaufen“, kommentiert Keenan seine frühere Zeit in der Band. „Nach »In The Arms Of God« ist das Plattenlabel zugrunde gegangen und ich bin zurück nach New Orleans gezogen und direkt bei DOWN eingestiegen. Das ist ein weiterer Beweis dafür, wie das alles hier läuft. Aber du wirst daran gemessen, wie du aus solchen Situationen hervorgehst und wieder zusammenkommst.“

»No Cross No Crown« ist definitiv ein Beweis für C.O.C.s meisterliche Fähigkeiten. „C.O.C. und die vorherigen Alben, die ich mit ihnen gemacht habe, sind nicht einfach weg“, merkt Keenan an. „Es ist eine Ehre, endlich zurück zu sein und die Möglichkeit geboten zu bekommen, es nochmal richtig anzugehen, anstatt irgendein Reunion-Ding durchzuzuziehen. Noch bevor wir die Scheibe geschrieben haben, waren wir ein Jahr auf Tour und haben gesehen, dass das Interesse vorhanden ist, und dass es eine Lücke gibt, die wir füllen können. Das ist vom ersten Tag an C.O.C.s Plan gewesen. Wir scheuchen niemanden auf und werden uns nicht irgendwelchen Trends anschließen. C.O.C. bleibt C.O.C.“

7 von 10 Punkte

KAYAK – Seventeen

Release: 12.01.2018


Over the course of a career that so far spans 45 years, KAYAK have established themselves as one of Holland’s most successful progressive rock bands, with a loyal, international fanbase. After a 3 year break they are back with an almost complete new lineup, a new record company and a stunning new album, appropriately called ‘Seventeen’, as it is their 17th studio album…

A BRIEF HISTORY KAYAK was formed in Hilversum, The Netherlands, back in 1972, by keyboard player Ton Scherpenzeel and drummer Pim Koopman who struck up a friendship in their early teens after meeting at a local volley ball club. They were committed to writing original material. With loads of melodic, symphonic songs in their pocket they recruited fellow music conservatory student Max Werner (lead vocals) and Johan Slager (guitar). After bass player Cees van Leeuwen joined, the first lineup of KAYAK was complete with the new band being signed by EMI Records being launched as a new supergroup. Their debut album ‘See See The Sun’(1973) featured a minor hit single , ‘Lyrics’, with ‘Mammoth’ and the title track also reaching the top 40. The album sold well in Holland, earning the band significant critical acclaim and developing a growing army of passionate followers.

After a series of successful albums and several hit singles in their homeland KAYAK was on the verge of an international breakthrough in 1977 when the single ‘Want you to be Mine’, from ‘Starlight Dancer’ achieved chart success in the U.S, peaking at #55 in the Billboard Charts. KAYAK was even voted Most Promising Band of the Year by the influential American music magazine Record World. Due to the fact that charismatic lead singer Max Werner wanted to fill the vacant position of drummer meaning the band was suddenly without a lead singer, making it impossible to embark on an American tour. KAYAK focused on finding a vocalist instead. The search began with advertisements placed in British magazine ‘Melody Maker’, spotted by Edward Reekers, a huge fan of the band since the early days. Passing the audition with flying colors he became the new frontman for KAYAK and with the addition of two female singers the band returned to the recording studio to create their 6th album, the award winning ‘Phantom of the Night, which turned out to be their commercial peak. The blend of progressive rock and immaculate pop brought them phenomenal success. The album went to number one on the charts, reaching platinum status and ‘Ruthless Queen,’ became their highest charting single, (#4 in the Dutch charts). The next album, ‘Periscope Life’ (1980), was similar in style and recorded in Los Angeles. It consolidated KAYAK’s position as one of Holland’s most popular bands. With their next effort, ‘Merlin’ (1981), KAYAK returned to its original progressive and symphonic rock roots, with a suite about the legendary medieval magician on side A. Many music fans considered this a milestone in the bands career. Personal and musical struggles within the band however led to a break up in 1982. The first era of KAYAK ended after the release of the semi live album ‘Eyewitness’.

In the new millennium KAYAK was resurrected after an 18 year pause and came back with the strong symphonic crossover album ‘Close to the Fire’ (2000) with again Pim Koopman on drums and Max Werner on vocals. Unfortunately, due to ill health Max was soon forced to leave, with ex- Vandenberg singer Bert Heerink, who already joined the band on stage, taking over. With Heerink three studio albums were recorded, including the rock opera’s ‘Merlin – Bard of the Unseen’ and ‘Nostradamus – The Fate of Man’, their most ambitious efforts yet. The rock opera’s, dominated by longer, prog-based compositions, also showed KAYAK’s theatrical side with an extended cast of singers and dancers contributing to an impressive first rate live experience. It also marked the return of Edward Reekers and introduced Cindy Oudshoorn as first female lead singer.

The next chapter in KAYAK’s career began in 2006 with ‘Kayakoustic’, presenting the now seven-piece band in an intimate setting. 2008 was an important year celebrating their 35th anniversary and embarking on a large tour taking the group to the theaters and clubs. ‘The Anniversary Box’, a DVD containing the Paradiso concert as well as a collection of fan chosen tracks is released. The tragic, unexpected death of drummer and composer Pim Koopman one year later in the middle of the ‘Letters From Utopia’ tour almost led to KAYAK’s downfall, but two years later the group reemerged with Hans Eijkenaar on drums and the album ‘Anywhere But Here’, dedicated to Koopman. After a period of two years preparing and recording the new rock opera ‘Cleopatra- The Crown of Isis’ was released in 2014. Shortly before the tour, lead singers Reekers and Oudshoorn unexpectedly and inconveniently announced their departure. But as they say “what doesn’t kill you makes you stronger” and like the proverbial cat with nine lives – in 2018 KAYAK is back with a vengeance!

THE STORY OF ‘SEVENTEEN’ When Ton Scherpenzeel finally opened up for the possibility of restarting KAYAK as a band the songs came pouring out like a waterfall. In a couple of months time most of the material was written. In the meantime he began looking for new band members. ‘I did not want to continue with the same people’, Ton says. ‘The old line up was great but its lifecycle had clearly come to an end. After Pim Koopman’s demise in 2009, things changed and slowly a band within a band began to form. That was the beginning of the end. It sucked up all my energy and inspiration’. Since the two lead vocalists had left the band anyway Ton decided to start again with a clean slate: a new band, new inspiration, new energy, new motivation. Looking forward, instead of looking back. Thus began the search for a new lead singer which wasn’t an easy job. ‘KAYAK songs are not easy to sing’, Ton admits, ‘A great voice is not enough. As a listener you identify with a song mainly because of a voice. Most of our songs appeal to your emotion as well as your intellect. The melodies can be accessible but also pretty complicated sometimes and the lyrics aren’t easy. For me, a singer should sound natural. There should be no distance between the voice and the notes.’ In Bart Schwertmann Ton found what he was looking for. Surprisingly, Bart was the first guy he auditioned, but he wasn’t hired on the spot. Ton explains why: ‘I loved his voice but I wasn’t complete sure. Since he was the first one to audition I wanted to look further to compare. After working with a few other singers I listened to Bart’s audition once again and knew that he was the one. He has a great range, connects to the material and has live experience, which is important.’ The one who also made his mark on the album is KAYAK’s new guitar player Marcel Signor, a guy Scherpenzeel is very happy working with. ‘Marcel is a fantastic player, very versatile, with a great feel and understands what he is doing. Although he plays the notes for the melody and themes as I have written, he really makes them his own.’ New bassist Kristoffer Gildenlöw (ex Pain of Salvation, Neal Morse Band), only appears on one album track, simply because Ton Scherpenzeel is a bass player himself. ‘I have occasionally played bass on KAYAK albums before at the time we were in between bass players. That situation occurred again, so I took my chance. Then I checked Kristoffer and asked him to play ‘Cracks’. He’s an amazing bass player, much better than I really.’ Drummer Colin Leiijenaar (Neal Morse band) completes the line up, although he doesn’t play on the album. ‘Long before it was clear that KAYAK would make a comeback Colin contacted me to say he was really keen on working with me’, says Ton. ‘When we made the album he was having a busy and difficult time so I asked Lean Robbemont instead. Since he wasn’t available for the tour I came back to Collin. He’s not only an outstanding drummer he also played together with Kristoffer in the band of Neal Morse. They form a strong unit.’

The new album ‘Seventeen’ remains very much KAYAK. No matter who plays or sings, or who’s in it, it’s still very identifiable. Since the essence of KAYAK is progressive rock Scherpenzeel decided to put a couple of longer, symphonic tracks on the album, ‘La Peregrina’, ’Cracks’ and ‘Walk through Fire’. ‘I’m sure prog fans can relate to that material’, Ton thinks. ‘I just let my fantasy run free while composing. Not limit myself to a format or length, accept tempo chances and different atmospheres in the same song. It turned out to be a surprising journey – composing songs for almost 50 years and still discovering paths you did not know.’ Camel’s Andy Latimer is featured as special guest on ‘Seventeen’, doing a brilliant job on the only instrumental of the album, ‘Ripples on the Water’, which Ton wrote with his friend Andy in mind. ‘I’ve been fortunate enough to work with him in Camel. We have a great musical and personal click. Andy personifies the word “feeling” for me, and that is what ‘Ripples on the Water’ is all about. Andy is truly one of the greatest guitar players in the world and I’m very honored and proud to have him as a special guest on the album.’ One of the most outstanding songs of the album according to Ton is the intimate ballad ‘To an End’, which closes the album. ‘After the storm of long tracks, big arrangements and bombastic themes it’s good to find peace in the end, some contemplation. It’s about not being able to imagine that the world has any meaning without you, or the one you love. But at the same time you realize that you are just a small drop in the ocean.’

7 von 10 Punkte

MYSTIC PROPHECY – Monuments Uncovered 

Release: 12.01.2018


MYSTIC PROPHECY – die sich der Musik im Stil von Accept, Judas Priest, Exodus, Forbidden oder Testament verschrieben haben – gelten schon lange nicht mehr als Geheimtipp und haben sich mit ihrem kraftvollen und dynamischen Metal in den letzten Jahren einen Namen in der weltweiten Metalszene gemacht! Mit ihrem Debüt „Vengeance“ (2002) füllten MYSTIC PROPHECY eine musikalische Lücke in der Szene und erhielten weltweit großartiges Feedback fürs Album. Seitdem folgten weitere Alben, die stets positives Feedback erhielten: „Regressus“ (2003), „Never-Ending“ (2004), „Savage Souls“ (2006), „Satanic Curses“ (2007), „Fireangel“ (2009), „Ravenlord“ (2011), „KillHammer“ (2013) sowie das noch aktuelle Studioalbum „War Brigade“ (2016). In 2017 erschienen die Re-Releases der ersten drei Alben der Band.

Mit jedem Album hat sich der Stellenwert von MYSTIC PROPHECY erhöht und immer wieder stand die Frage der Medien im Raum: „Wie will die Band das neue Album beim nächsten Mal toppen?“ Zum 10. Mal stellen sich MYSTIC PROPHECY dieser Herausforderung. Entgegen aller Erwartungen serviert die Band auf ihrem Album keine neuen Songs, sondern sie covern Klassiker, die bisher kaum bis gar nicht gecovert wurden, aber dennoch Meilensteine der Musikgeschichte darstellen! Angefangen mit Kim Wildes „You Keep Me Hangin‘ On“, bei dem weder der Nacken der Headbanger noch das Tanzbein ruhig bleiben können, bis hin zu „Hot Stuff“ von Donna Summer oder „Shadow On The Wall“ von Mike Oldfield. Ob Lenny Kravitz, Patti Smith, Elton John, Monster Magnet oder Creedence Clearwater Revival – alle werden von MYSTIC PROPHECY in ein rockig/metallisches Gewand gepackt! Statement R.D. Liapakis: „Ich war schon immer ein riesen Fan der Pop- und Rockmusik der 70er, 80er und 90er und ich habe mich immer gefragt, wie sich diese Songs wohl anhören, wenn man ihnen den Sound von MYSTIC PROPHECY verpasst. So habe ich mich auf die Suche nach passenden Songs gemacht, die nicht nur bekannt sind, sondern die mir persönlich auch viel bedeuten und mit denen ich viele Erinnerungen verbinde. Ich finde, die späten 70er und 80er Jahre waren die glorreichen Zeiten der Pop- und Rockmusik; eine Zeit, die mich auch musikalisch geprägt hat. Es ist nicht einfach, den Songs seinen eigenen Stempel aufzudrücken und dabei sicherzustellen, dass man das Original trotzdem noch erkennen kann. Dieses Album ist meine Liebeserklärung an die Musik, die mich und viele andere begleitet hat – jedoch habt ihr die Songs so noch nie gehört! Und ich freue mich sehr, euch MYSTIC PROPHECY mal von einer ganz anderen Seite zu zeigen!“ 

6 von 10 Punkte

Perfect Beings – Vier

Release: 19.01.2018


Perfect Beings is an American progressive rock band formed in Los Angeles in 2012. They are known for their modern take on the sound of the classic progressive rock supergroup. Singer Ryan Hurtgen combines his incredible songcrafting skill with the talents of producer/guitarist Johannes Luley and keyboardist Jesse Nason. True to the progressive form, their albums are storied musical journeys through odd time signatures, avant-garde poetry, and symphonic mysticism.
From 2012 through 2015, the group released two albums to great critical acclaim. Following the departure of their original drummer and bassist in early 2016, the three remaining members decided to move forward, rather than calling it quits. A plan was hatched to craft something entirely different: a double vinyl album, with each of the four sides capturing one continuous long-form composition. Spending over a year on the recording, the result is the new Perfect Beings opus, Vier, an immersive sound experience. Compared to the first two releases, the record features an increased use of brass and woodwind instruments, adding contemporary classical and jazz-rock overtones to the Perfect Beings sound. This underscores the urge of the group to evolve and to expand their sonic palette.
With the new album completed, Perfect Beings has been joined by modern progressive drumming phenom Sean Reinert. The album will be released through InsideOut/Sony Music, January 19, 2018. The band is gearing up to present Vier to new audiences, with a special performance at ROSfest in Gettysburg, PA, in May 2018.

7 von 10 Punkte

REBELLION – A Tragedy In Steel Part II: Shakespeare’s King Lear 

Release: 26.01.2018


REBELLION wurde im Jahre 2001 von Tomi Göttlich (Bass) und Uwe Lulis (Gitarre) nach deren Split von Grave Digger gegründet. Als Debüt erschien 2002 das Album „Shakespeare’s Macbeth – A Tragedy In Steel“, das Metal-Hymnen und Passagen aus Shakespeares Originaltext eindrucksvoll ineinander webte, damit überragende Kritiken erhielt und heute Kultstatus genießt. Es folgten die Alben „Born A Rebel“ (2003), „Sagas Of Iceland – The History Of The Vikings Volume I“ (2005), „Miklagard – The History Of The Vikings Volume II“ (2007), „Arise: From Ginnungagap To Ragnarök – The History Of The Vikings Volume III“ (2009). „Arminius – Furor Teutonicus“ (2012) und „Wyrd Bið Ful Aræd – The History Of The Saxons“ (2015). Ende des Jahres 2010 verließen Uwe Lulis (heute Accept), Gerd Lücking und Simone Wenzel die Band. Durch zahlreiche Fankommentare ermutigt, beschlossen Tomi Göttlich (Bass) und Michael Seifert (Gesang) Anfang 2011, REBELLION weiter zu führen und neu aufzubauen. Mit Oliver Geibig (Gitarre), Stephan Karut (Gitarre) und Matthias Karle (Drums) wurden neue Mitglieder gefunden. Timo Schneider wurde 2013 als neuer Drummer vorgestellt, da Matthias Karle die Band aus privaten Gründen verlassen hatte. Seit 2016 sitzt nun Tommy Telkemeyer hinter dem Schlagzeug. Mit ihrem neuen Drummer beschloss die Band ein ehrgeiziges Projekt: Sämtliche Songs der kommenden CD sollten real im Proberaum erarbeitet und eingeübt werden; eine Arbeitsweise, die im professionellen Bereich eigentlich völlig ungewöhnlich ist. In der zweiten Jahreshälfte 2017 begann die Band mit dem Songwriting und enterte dann die Tonetown Studios von Gitarrist Oliver Geibig, um das aktuelle Album „A Tragedy In Steel Part II: Shakespeare’s King Lear“ einzuspielen. Die Band ging bereits mehrmals auf Headlinertour, supportete Bands wie Running Wild oder U.D.O. und trat auf Festivals, wie dem Wacken Open Air, Summer Breeze oder Bang Your Head!!! Festival auf.

Die düstere Stimmung der literarischen Vorlage sollte auch musikalisch umgesetzt werden. Hierbei entstand ein für REBELLION eher langsames Album, das von dunkler Atmosphäre geprägt ist. Bei den Aufnahmen wurde auf Overdubs oder quantisierte Drums verzichtet und stattdessen auf ein echtes Schlagzeug mit einem hohen Anteil von Raummikrophonen gesetzt. Die beiden Gitarren wurden im Mix konsequent links und rechts gelegt, Bass und Gesang dagegen in die Mitte. Der hierdurch entstehende Sound ähnelt dem Live Sound der Band und lehnt sich an die großen, klassischen Metal Alben der späten 70er und 80er Jahre an. REBELLION gehen somit nicht nur thematisch zurück zu ihren Wurzeln. Wie bereits auf dem Debütalbum der Band wurden ausgewählte Textstellen von Shakespeares depressivem Drama als Sprachpassagen in einzelne Songs integriert, so kann der Hörer etwa akustisch mitverfolgen, wie dem Edelmann Gloucester beide Augen ausgestochen werden. Sämtliche Songs wurden im Proberaum erarbeitet und eingeübt. Wie immer werden REBELLION auf der anstehenden Tour relativ viele Stücke ihrer neuen CD auch live spielen. Weiterhin wird das Live-Programm unter dem Motto „King Lear meets Macbeth“ stehen und somit vor allem auch auf Stücke des Debütalbums zurückgreifen. Stücke, die die Band seit Jahren nicht mehr gespielt hat.

7,5 von 10 Punkte

Savage Machine – Abandon Earth

Release Date: January 19, 2018


Danish old school heavy metal band, SAVAGE MACHINE, will release their first full-lenght album ‘Abandon Earth‘ on January 19, 2018. The album is produced, mixed and mastered Tommy Hansen (Helloween, Jorn, Pretty Maids) at Jailhouse Studios. The cover artwork was made by Mario E. Lopez M. (Iron Maiden, Megadeth, King Diamond, Metal Church).

After a long time dormant, Savage Machine is armed, recharged and ready to resume their heavy metal crusade. The result is an ambitious full-length album with battering, yet playful riffs, powerful vocals and a rock-solid rhythm squad whose only purpose is to convert your heathen soul to that of a true head banger. “Abandon Earth” takes you into the grim future of post-apocalyptic despair, where the war between man and machine rages. Earth Is dead and the last remaining resources are spent. The only salvation of mankind lies in the heavens but, who gets to go? Who deserves to go? And is there really anything other than darkness out there?

Get ready to Abandon Earth

Savage Machine, from Denmark, is honouring a proud lineage of Heavy Metal kings with a modern twist. Ambitiously, the machine delivers savage riffs, thundering drums and galloping bass over the grandiose vocals of pure metal thunder.

Having existed since 2010, Savage Machine has been a big part of the Danish underground scene for several years before emerging onto the international stage in 2015’s Wacken Open Air.

In the past year, Savage Machine recorded a hard-hitting debut album and toured across Europe with Spain’s ”Lords of Black”.

8 von 10 Punkte

Spiral Key – An Error Of Judgement

Release: 19.01.2018


Spiral Key ist eine im Jahr 2012 gegründete britische Progressive Metal-Band, welche sich auf melodische, gedankenreiche und harte Musik spezialisiert hat, die sich mit verschiedensten Themen auseinandersetzt und durch einen subtilen, dunklen Gespür für Humor auszeichnet. Die Haupt-Trademarks der Gruppe sind die herausstehende Stimme und die Gitarrenarbeit von David McCabe und der donnernde Bass von Ken Wynne (Cut The Wire).

Spiral Key veröffentlichten im Jahr 2013 das Erstwerk „Perfect Machine“, eine Sammlung von Songs mit einem starken Schwerpunkt auf Melodie und Themen wie Liebe, Verlust und Identität. Das Werk wurde damals in Wynne’s Heimatstadt Swindon, UK in den Bentham Studio aufgenommen, gemischt und gemastert und in Eigenregie veröffentlicht. Nach einem kurzzeitigen Intermezzo mit Schlagzeuger Chris Allan (ex Malefice and now session/independent) und Gitarrist Dan Carter (Belial) spielten Spiral Key im Jahr 2016 mit verschiedenen Bands inkl. Kingcrow und Votum.

Nach diesem erfolgreichen Jahr begannen im Outhouse Studio, UK die Arbeiten am zweiten Album von Spiral Key, das den Namen „An Error Of Judgement“ tragen wird. Es erscheint am 19.01.2018 bei Pride & Joy Music. John Mitchell (Frost*, It Bites, Arena) steuerte ein Gitarrensolo bei “Dark Path” bei, Sänger Miguel Espinoza (Persefone) ist auf Possessive” zu hören, und Dan Carter bei “Sanctimonious”. Das Mixing und Mastering übernahmen David Castillo (Katatonia, Opeth) und Tony Lindgren (Angra, James LaBrie) in den Fascination Street Studios in Schweden. Das Artwork stammt von dem großartigen Mattias Norén (ProgArt Media), welches die Stimmung des Albums perfekt widerspiegelt.

“An Error of Judgement” behandelt viele Aspekte der Menschheit wie Themen wie Uneinigkeit und menschliches Versagen. Jetzt härter und dunkler entwickelten Spiral Key ihre Trademarks aus dem Progressive-Bereich weiter und binden ebenso symphonische Elemente ein. Dennoch bleibt jederzeit Platz für den typischen Humor der Band und große Melodien.

Das erste Video für den Track “Hollywood Dreams” entstand unter der Regie von Patric Ullaeus (Evergrey, Amaranthe) in Schweden. Die Single für diesen Song erscheint am 24.11.2017.

6,5 von 10 Punkte

TANKARD – Hymns For The Drunk

Release: 12.01.2018


Als sich im Jahr 1982 vier langhaarige Metal-Maniacs in Frankfurt am Main dazu entschlossen haben, eine Band namens TANKARD (Englisch für Bierkrug) zu gründen, ahnte wohl keiner der Beteiligten, dass es die Gruppe über drei Jahrzehnte später immer noch geben wird. Geschweige denn, dass die Band sich zur Speerspitze des deutsche Thrash Metal mausern würde. Doch es gibt sie noch! Und das ohne Unterbrechung. Im Zeitalter zahlloser „Reunion“-Phantome, die mal kurz aus der Gruft schießen, die Hand aufhalten um dann wieder zu Staub zerfallen, hielten TANKARD unerbittlich die Flagge des Thrash-Metal nach oben: eine respektable Leistung! NOT ONE DAY DEAD! Jedoch ist es längst nicht mehr so, wie der „Stern“ 1988 in einem größeren Feature über die „Subkultur Heavy Metal“ schrieb: „Ihre Musik klingt, als würde ein vollbeladener Zug mit Bierkrügen entgleisen.“ Denn trotz allem Humor, darf man TANKARD auf musikalischer Ebene keineswegs unterschätzen. Die Band brachte kontinuierlich starke Alben auf den Markt und hat sich nicht zuletzt mit Alltime-Classcis wie „Empty Tankard“, „The Morning After“ oder „Chemical Invasion“ den Status „Kultband“ mehr als verdient. Ausverkaufte Clubshows, Tourneen in Südamerika oder Asien, Auftritte auf den größten Metal-Festivals der Welt (WACKEN, HELLFEST, GRASPOP, SUMMER BREEZE…) sowie die jüngsten Charterfolge zeugen von der Popularität der Frankfurter Urgesteine. Auch wenn sich im Laufe der letzten drei Dekaden vieles geändert hat, eines ist noch genau wie am Anfang: TANKARD sind vier Metal-Maniacs aus Frankfurt. Authentisch, laut und manchmal betrunken. Und daran wird sich auch in den nächsten 35 Jahren nichts ändern! Am 12.01.2018 wird nun die TANKARD Best Of „Hymns For The Drunk“ erscheinen. „Diese Best Of stellt einen Querschnitt unserer Schaffensphase zwischen den Jahren 2002 und 2010 dar, in denen wir bei AFM waren. Henner (R.I.P.) hat zu Beginn der 2000er TANKARD eine neue Chance gegeben, als er uns unter Vertrag nahm. Damit hat er der Band maßgeblich neues Leben eingehaucht. Die Veröffentlichung von ‚B-Day’ im Jahr 2002 stellt einen wichtigen Wendepunkt in der Bandhistorie da, weil wir mit der Scheibe endlich wieder zurück im Metal-Zirkus waren. Die AFM-Jahre werden somit immer ein wichtiger Bestandteil der TANKARD-Geschichte sein! Viel Spaß mit dem Teil!“ Gerre, September 2017

8 von 10 Punkte

TRESPASS – Footprints In The Rock

Release: 12th of January 2018


TRESPASS was formed in Sudbury, Suffolk, England in April 1979 by brothers Mark (guitar, vocals) and Paul Sutcliffe (drums) Dave Crawte (guitar) Richard Penny (bass). The band were spotted by Trial records, a new local independent record label and were offered an opportunity to release a single. One of these days was released as a single in January 1980 and gained airplay on Radio One’s Friday Night Rock Show hosted by Tommy Vance and was also played by legendary DJ John Peel.
The band recorded a session at Spaceward studios in Cambridge which was also used by Iron Maiden for their Sound house Tapes. A new version of One Of These Days, a new track called Stormchild, Lightsmith and a potential new single Live It Up! were recorded. These versions of One Of These Days and Stormchild were to ‘headline’ the EMI compilation Metal for Muthas volume II. All other bands on the album were represented by one track. IRON MAIDEN had similarly had two tracks featured on Metal for Muthas volume I. During this period Lars Ulrich and James Hetfeild of the fledgling METALLICA joined the TRESPASS fan club. Many UK shows followed including at the prestigious Marquee club in Wardour street London. In 1981 the band recorded their third single the Bright Lights EP. Following the tragic early death of Mark and Paul’s father Allan Sutcliffe, TRESPASS finally split in 1982. Despite their fairly short lived time on the metal scene Trespass made a lasting impact. Lars Ulrich and James Hetfeild of Metallica remained fans and One Of These Days was featured on NWOBHM compilation 79 revisited put together by Ulrich and Geoff Barton in 1990. The band released their highly acclaimed greatest hits album the works in 1992. This was also released in Japan through Pony Canyon Records Trespass released a critically acclaimed studio album ‘Head’ in 1993 showing a marked change in sound and style. A 1999 Trespass concert live in Tokyo Japan, was released through Pony Canyon as Metal Crusade along with NWOBHM bands Samson, Tank and Preying Mantis. A further major worldwide release was One Of These Days the Anthology released in 2004 through Castle/ Sanctuary Records. A new album TRESPASS was recorded in 2012, featuring brand new versions of the bands early tracks, recorded to a high standard with a consistent sound and feel. The band have currently reformed with Mark Sutcliffe at the heart of things and a new line up. Dan Biggin Bass, Joe Fawcett Guitar, and Jason Roberts Drums Trespass have played live shows at festivals in the UK and Europe in 2015/16/17. Brand new comeback album “Footprints In The Rock” is released in January 2018 worldwide through Mighty Music.

6,5 von 10 Punkte

VICTORIUS – Dinosaur Warfare – Legend Of The Power Saurus

Release: 26. Januar 2018


Aus den prähistorischen Zeiten der Dinosaurier kommt VICTORIUS, um die Welt vor einer verdammten Alien-Invasion zu retten. Zusammen mit der Holy Dinoforce spielen diesen fünf Wahnsinnigen Jurassic Power Metal – mit einer Menge High-Tech Zeug und Laserwaffen. „Aufgewachsen“ in Leipzig spielten VICTORIUS ihre ersten Shows auf einer Quest mit epischen Schlachten gegen Dämonen und Drachen. Sie schmiedeten dabei Tourallianzen mit Bands wie Grave Digger, Van Canto oder Freedom Call. Von 2004 bis 2017 sammelten sie tausende Unterstützer auf dem ganzen Planeten in Vorbereitung für den „most epic showdown“ in moderner, prähistorischer Historik: Dinosaurier gegen Aliens.
Slay the alien scum!

„Dinosaur Warfare – Legend Of The Power Saurus“ ist bereits der fünfte Release der Leipziger, die hier ihr erstes Konzeptalbum vorlegen. Der brillante Sound vom erst 2017 erschienenen Vorgänger „Heart Of The Phoenix“ wurde konsequent weiterentwickelt und mit einer Menge stimmiger Soundeffekte aufgewertet, die die besondere Atmosphäre dieses Releases ausmachen. Markenzeichen von VICTORIUS bleibt auch hier das eingängige und abwechslungsreiche Songwriting, die einzigartige Stimme von Fronter David Baßin sowie eine Fülle an im Uptempo-Bereich gehaltener Power Metal Kracher! Die Gitarren feuern im Minutentakt Melodien, während Drums und Bass von der ersten bis zur letzten Sekunde Vollgas geben. Durch Chor und orchestrale Effekte wird die großartige Epik der EP unterstützt. „Dinosaur Warfare – Legend Of The Power Saurus“ macht einfach Spaß!

Dinosaur Warfare – Legend Of The Power Saurus

Vor Milionen vor Jahren wurde die Erde von den mächtigen Dinosauriern regiert. Diese majestätischen Kreaturen regierten das glorreiche Königreich namens Erde (ja, der ganze Planet war ein wunderbares Dinosaurierkönigreich!). Aber eines Tages – wer hätte es gedacht – fielen die Außerirdischen auf der Erde ein, um alle Lebewesen zu bezwingen und zu versklaven. Lediglich die Holy Dinoforce, eine besondere Dinosaurier-Sondereinheit, welche aus den stärksten, schnellsten und coolsten Dinosauriern bestand, hatte die Macht, die Erde zu retten. Ein heiliger Krieg brach aus, beide Seiten mussten herbe Verluste erleiden und die Dinosaurier hatten mit der High-End Technologie der Außerirdischen ihre wahre Mühe. Der einzige Weg, den Feind zu besiegen und das Königreich zu retten war, die eigenen Waffen und Kräfte zu verbessern! Die Zähne des Säbelzahntigers wurden durch Laserkanonen ersetzt und so wurde aus ihm LazerToothTiger! Der Velociraptor verbesserte seine Klauen und Geschwindigkeit und er verwandelte sich in RazorBladeRaptor – ein blitzschneller Assassine mit Infrarot-Cyborgaugen – der Ninja unter den Dinosauriern! Aber nur ein Tier konnte die „Dinosaurrior“ (dino + warrior = Dinosaurrior) zum Erfolg führen: Der legendäre Power Saurus! Ein Krieger allererster Güte! Er war der Stärkste von allen und wurde geboren, um in den historischen Krieg zwischen den Außerirdischen und den Dinosauriern zu ziehen und alle Kräfte und Stärken der „Dinoforce“ zu einen. Nur er konnte die Krieger in den Sieg führen! Tausende von Feuerblitzen regneten auf die Erde herab und in einem tobenden Kampf zwischen den prähistorischen Kriegsmaschinen und dem Alien-Abschaum wurde der Weg zum ewigen Ruhm geebnet! Fortsetzung folgt…

6 von 10 Punkte

VIVALDI METAL PROJECT – The Extended Sessions

Release: 19.01.2018


“The Extended Sessions” EP ist die Nachfolgeveröffentlichung zum Album „The Four Seasons“ von VIVALDI METAL PROJECT, welches im Sommer 2016 bei PRIDE & JOY MUSIC als CD und auf Doppel-Vinyl erschienen ist. Dieses Album ist bis heute eines der bestverkauften Themen des Labels und soll nun die Wartezeit auf das nächste Studioalbum verkürzen.

Produziert und konzeptioniert von Mistheria arbeiten VIVALDI METAL PROJECT gerade an der Realisierung des Projektes mit Band, Chor und Orchester. Bereits im Sommer und Herbst 2017 spielte die Formation in kleiner Besetzung einige Unplugged-Konzerte in Finnland, Bulgarien und Italien. Diese Shows resultierten in der Idee, Teile des dort aufgeführten Materials auf einer EP zu veröffentlichen.

“The Extended Sessions” enthält somit vier Stücke, die auf der Darbietung der Band beim “Kitee International Music And Art Festival” in Kitee (Finnland) am 13.07.2017 basieren. Arrangiert von Mistheria traten VIVALIDI METAL PROJECT, bestehend aus Mistheria am Piano und Sängerin Tsena Stefanova, beim dortigen „Sleeping Sun“ Event auf. Ein episches Video dieses Stücks wird ab 01.12.2017 vorab bei Youtube und als Single verfügbar sein.

Die „The Extended Sessions“ EP eröffnet mit einer neu aufgenommenen UnpluggedStudio-Version des „The Four Seasons“-Medleys, welches wiederum von Mistheria arrangiert wurde. Er ist ebenso am Klavier zu hören und wird hier von den SängerInnnen Tsena Stefanova, Angel Wolf-Black und Dimitar Belchev sowie Abigail Stahlschmidt an der Violine unterstützt. Des Weiteren ist der Song „Vita“, eine der Singles aus dem letztjährigen Album zweimal zu hören. Die erste Version ist die “original vocal session” mit Dimitar Belchev vom ersten Demo und ein Instrumental “Karaoke”-Track. Beide Versionen wurden von Ivan Moni Bidin in den Artesonika Studios, Italien neu gemischt. Die 2016er Album-Version wurde von mehreren Sängern eingesungen. Diese Version arrangierte Zhivko Koev; und zum Line-up auf dieser Aufnahme gehören Dimitar Belchev (Gesang), Srdjan Brankovic (Gitarren), Chris Caffery (TSO, Savatage – Gitarrensolo), Jeffrey Revet (Keyboards), Royal Hunts Andreas Passmark am Bass und Martijn Peters am Schlagzeug.
Wie schon das VIVALDI METAL PROJECT-Album “The Four Seasons” wurde die “The Extended Sessions”-EP von Ivan Moni Bidin in den Artesonika Studios in Italien gemischt und von Mistheria produziert. Vivaldi Metal Project buchen derzeit weitere UnpluggedKonzerte für Europa und die USA, welche in Kürze bekanntgegeben werden.

8,5 von 10 Punkte


Release: 19th of January 2018


A Rhythm section that lights a darkened highway, guitars that descend like lightnings from a stormy sky, a voice polished by sand paper … If ACDC was an old family recipe, this young band from Switzerland is what you would be eating at Grandma’s house.
Worry Blast is the name of this powerful quartet that released their first album “Break Out From Hell“, in 2013. An album that made Lycra wearing 80’s glam bands run for their lives. Worry Blast have quickly made a name for themselves on the live scene with their furious and hard rockin‘ live shows.
After opening for Scorpions, Gotthard and Johnny Hallyday in 2015, the band released its second album “Hit The Gas“ which is a big return to the best 80’s moments with basic riffs and furious solos. Distributed worldwide, this last album offered the band a great promotional tour with more than 50 shows all over Europe with a big tour with the american band, Nashville Pussy. After that, the band played shows with bands like Patrick Bruel (famous french singer), Gotthard, and toured in Spain with the Swedish band Bonafide.
2017 was a bit more quiet, but not less productive. The 3rd album is on its way since April and the band is really looking forward to reveal their hard work next January. This album should more powerfull than all the band did before!

„.44“ is produced by Dennis Ward (Pink Cream 69, Michael kiske, Bob Catley etc.) and is released worldwide (ex. Switzerland) though Mighty Music.

7,5 von 10 Punkte

STEVE HACKETT – Wuthering Nights: Live in Birmingham

Release: 26.01.2018


Following 2017’s rapturously received studio album ‘The Night Siren’ (which reached number 26 in the UK album charts), legendary Genesis guitarist Steve Hackett embarked on his Genesis Revisited & Classic Hackett tour, taking in the US first before reaching Europe in April. As a record of that hugely successful tour, Steve is now pleased to present ‘Wuthering Nights: Live in Birmingham’, a new CD/DVD & Blu-Ray package filmed at the grand Birmingham Symphony Hall in May 2017.
This tour marked the 40th anniversary of ‘Wind & Wuthering’, Hackett’s last album with Genesis which reached number 7 in the UK album chart. To celebrate Steve and his band played 5 of the best-loved tracks from this iconic album: ‘Eleventh Earl Of Mar’, ‘One For The Vine’, ‘Blood On The Rooftops’, ‘…In That Quiet Earth’ and ‘Afterglow’.
Other fan favourites from Hackett’s Genesis days were ‘revisited’: ‘Dance On A Volcano’, ‘Inside & Out’ (a track originally left off ‘Wind & Wuthering’), ‘Firth Of Fifth’, ‘The Musical Box’ and the classic Los Endos. This mesmerising show marks the first ever live performance by Hackett & his band of the tracks ‘One for the Vine’ and ‘Inside & Out’, and also includes many of Hackett’s solo fan-favourites as well as material from his latest studio album The Night Siren.
Steve recalls the Birmingham performance… “I’m excited about imminent release of ‚Wuthering Nights‘. It felt special to celebrate the 40th anniversary of Wind & Wuthering, the Genesis album I had the most songwriting involvement with and a favourite among many fans. Songs like One for the Vine, Eleventh Earl of Mar and Blood on the Rooftops come across powerfully on this release, which also features other Genesis and solo Hackett favourites along with songs from my latest album The Night Siren… Sit back and enjoy!”

The band are: Roger King (keyboards), Gary O’Toole (drums/percussion), Rob Townsend (saxes/flutes), Nick Beggs (bass, stick & twelve string) and Nad Sylvan on vocals plus special guests John Hackett and Amanda Lehmann.
The DVD / Blu-Ray also includes fascinating behind the scenes footage, most of which was filmed on the day in Birmingham. There are also three videos for tracks from The Night Siren: Behind the Smoke, Fifty Miles from the North Pole and West to East. Both the DVD & Blu-Ray versions also feature a 5.1 surround sound mix of the live show.

8 von 10 Punkte



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